Un poco de cine independiente mexicano.

Cuando se trata de ver películas de cine independiente la variedad de opciones es muy amplia. Desde historias sencillas con diálogos profundos hasta narrativas dedicadas a utilizar un sólo escenario, este es el mejor momento para las películas independientes.

El cine mexicano, por su parte, también tiene su pequeña participación en el cine independiente. Una que, a mi parecer, es tremendamente buena. En una época, como en la que vivimos nosotros, donde historias así tienen la capacidad de atraer a más personas que los grandes blockbusters es imposible no toparnos con propuestas interesantes.

Historias llenas de sentimiento que demuestran que no se necesita tener un gran presupuesto ni caras tan famosas para crear un buen producto. Por ello, he decidido dedicar este post a las películas de cine independiente mexicano (que he visto) que me parecen imprescindibles para todos los que -como yo- gustan devorar filmes de ese tipo.

(El cine independiente, en mi caso, lo tomo como aquellos filmes realizados con poco presupuesto y, en (casi) todos los casos, hechos por casas productoras pequeñas).

Temporada de patos (Fernando Eimbcke, 2004)

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De las primeras películas que me introdujeron al mundo de las historias sencillas con mensajes profundos.

La premisa es sencilla: cuatro personas interactúan dentro de un departamento, un domingo por la tarde, mientras descubren más de sí mismos y de los demás. Todo filmado en blanco y negro.

Los diálogos inteligentes y los personajes bien construidos hacen que una historia simple se convierta en un producto audiovisual sumamente interesante.

Morirse en domingo (Daniel Gruener, 2006)

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Otra historia sucedida en domingo y llevada al cine, donde narra la historia de Carlos, un chico que busca desesperadamente la forma de poder realizar un servicio funerario a su tío en un día (como el domingo) donde ninguna casa funeraria decente ofrece sus servicios.

Lo maravilloso de este filme es la sencillez, y facilidad, con la que el guión trata temas como la muerte, el amor y la amistad mientras se enfoca en los sinsabores por los que el protagonista tiene que pasar para poder enterrar dignamente a su tío.

Preludio (Eduardo Lucatero, 2010)

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Esta cinta se une a la tendencia actual de filmes hechos con uno, o dos, planos secuencia y que centra sus esfuerzos en los diálogos y no en la acción que pudiera suceder entre los personajes.

Así, vemos una conversación entre dos individuos (él y ella) que llegan antes a una fiesta y deciden conocerse a profundidad al hablar de sus miedos, expectativas y sueños de la vida.

Los Inadaptados (Javier Colinas, Marco Polo Constandse, Jorge Ramírez Suárez, 2011)

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Los inadaptados, al igual que la anterior cinta, se suma a otra tendencia fílmica muy popular de esta época: contar historias diferentes donde, al final, todos los personajes terminan entrelazados de alguna u otra forma.

De esta forma, con esta película, nos encontramos con varias historias: un grupo de ancianos que decide robar un banco, un hombre que intenta suicidarse y que conoce a una chica que cambia su día, un encuentro entre un adolescente y su cita a ciegas y el encuentro fortuito entre un empresario acaudalado y una chica de la limpieza en un elevador averiado.

Aún me estoy dando a la tarea de descubrir más cine independiente mexicano y, afortunadamente, sé que hay mucho por ver e innumerables propuestas interesantes. El chiste es saber buscar y confiar en que no todo el cine hecho en México es malo (como muchos aseguran), al contrario, está lleno de riquezas.

Otras identidades sexo-genéricas en el cine.

Creo que el año pasado, el mundo del cine se dedicó a dar pequeños grandes pasos al mostrar personajes otros. Pudimos ver un poco de las anti-heroínas de la misma forma que disfrutamos de masculinidades otras.

Por ello, creo que es necesario seguir retratando individuos con diferentes identidades que se diferencien y sean independientes a su género. Aquellas que nos permitan conocer personajes donde su género, y sexo, no determinen sus acciones,  formas de ser y/o pensar.

Existen pocos -y muy bien construidos- ejemplos de este tipo de personajes en el cine. Sin embargo, gracias a ellos, es posible pensar en un sinnúmero de posibilidades  de construcción narrativa, y psicológica, que estos personajes pueden aportar para darle más potencia a una historia.

La actriz  Tilda Swinton se  ha distinguido por retratar a varios personajes de esta naturaleza en numerosas películas; primero tenemos a su ángel ‘Gabriel’ en ‘Constantine’, ángel que traiciona al protagonista y termina por trabajar con el demonio en su lugar.

Este individuo neutro, a pesar de tener un nombre “masculino”, cuenta con características físicas de ambos sexos, esto ayuda a que el personaje no sea encasillado y pueda realizar todo tipo de acciones (buenas o malas) sin ser determinadas como alguna característica intrínseca del hombre o la mujer.

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En cualquier otro tipo de discurso, la maldad de Gabriel fácilmente podría ser justificada como una acción “típica” de su género (cualquiera que sea) pero su “neutralidad” le permite jugar con un rango de emociones y acciones que cualquier otro personaje estereotipado no podría realizar. Su personaje no responde a los ideales que la sociedad coloca sobre los individuos. Gabriel hace y deshace según lo que le conviene.

Por otro lado, tenemos a Mason, otro personaje neutro (interpretado por Tilda Swinton también) en la película de ‘Snowpiercer’. Minister que se encarga de poner orden en el tren y que tiene la capacidad de vanagloriar y (en su defecto) castigar a los habitantes del mismo.

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Mason, al igual que Gabriel, es un personaje que se distingue por ser antagonista del personaje principal. Característica que, a mi parecer, le permite tomar decisiones radicales -y terribles- sin temor al estereotipo de “crazy bitch” o “mad motherfucker”.

De la misma forma, estos dos personajes permiten visibilizar la idea de que una persona ) puede ser capaz de tener actitudes bondadosas o, al contrario, totalmente irracionales sin importar su género o sexo. Mason y Gabriel son personajes asexuados que actúan dentro de una permanente borrosidad que no los determina, ni encasilla, como individuos ligados a un imaginario social. Son individuos libres.

Tilda Swinton, con estos personajes, realiza un enorme aporte al proceso de (de)construcción de los personajes en los medios y, al mismo tiempo, nos muestra que es posible crear personajes otros en la actualidad.

Así, me gustaría encontrarme con más personajes que sean perfilados de esta manera. Individuos que puedan actuar sin la imposición sexual que los condiciona. Sujetos sociales que cuenten con identidad propia.

 

Togetherness: miedos y modos de vida.

Con la llegada de un nuevo año también se nos viene encima otra temporada de estrenos en películas y series. Con ello, HBO comenzó estrenando con una nueva propuesta que acompaña la barra de series del domingo (mi personal favorita) conformada por Girls y Looking: Togetherness.

Esta nueva serie -creada, escrita y dirigida por Mark y Jay Duplass, gira en torno a la familia de Brett (Duplass) y Michelle (Melanie Lynskey) al momento en que deciden recibir al mejor amigo del primero, Alex, y la hermana de la segunda, Tina, en su hogar.

Algo que me parece muy interesante es que HBO haya decidido programar dicho programa junto con Girls y Looking. Pareciera que se esfuerza por proponernos una misa realidad desde diferentes perspectivas: desde la mirada de la chica joven privilegiada de Nueva York, el punto de vista del hombre homosexual de San Francisco y la percepción de una pareja de casados en Los Angeles. Esta serie, como las ya mencionadas, dirige sus historias -y narrativas- en los procesos de crecimiento de cada individuo y lo difícil que puede resultar ello.

Los personajes, de algún modo, viven dentro de su burbuja , donde sus problemas y malos entendidos son ejes rectores de la serie: Brett y Michelle son una pareja con problemas maritales, Alex es un actor desempleado y Tina una mujer desesperada por ser amada. Todos viven en su mundo independiente pero, a la vez, comparten (des)afortunados momentos juntos.

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Esta serie llega con la ola de propuestas innovadoras (Transparent, Looking, Girls) que hemos presenciado el último año: historias simples que se enfocan en personajes conflictivos (altamente identificables) que se acercan más a la realidad que a la ficción que ya nos tienen tan acostumbrados.

Sin embargo, lo que me resulta más atractivo no es sólo la propuesta y el formato, sino la presencia tan directa de los hermanos Duplass en esta serie; ambos se han encargado de deleitarme con historias que, sencillamente, me han dejado atrapado. Mark Duplass, por un lado, se ha encargado de escribir, dirigir y actuar en películas tan interesantes como ‘Safety Not Guaranteed’ o ‘Your Sister’s Sister’; mientras que Jay ha dirigido y protagonizado varios capítulos de, la recientemente ganadora del Golden Globe, Transparent.

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Su participación en conjunto con un cast tan interesante hacen de esta serie una de mis opciones favoritas de este año. Digna para darle una oportunidad y que se convierta en una de las favoritas de las audiencias.

La dinámica que presenta Togetherness nos permite colocarnos como participantes directos de una realidad que atraviesa muchas de nuestras historias personales, tanto las buenas como las malas. Por ello, creo que vernos reflejados en personajes tan complejos como ellos nos puede brindar un panorama más amplio de nuestros modos de actuar y la impresión que queremos dar día con día.

Porque, a final de cuentas, Togetherness no es más que eso: un reflejo de una parte importante que conforma nuestros miedos y modos de vida plasmados en la televisión.

 

 

 

Un corazón tan elástico que se niega a rendirse

A menos de que vivas bajo una roca, o te hayas relegado a ser un hermitaño, deberías saber sobre Sia y su último disco “1000 Forms of Fear”, un album que se centra en -precisamente- los miedos y problemas a los que la cantautora se ha enfrentado y los que ha estado dispuesta a eliminar de su vida.

Ahí tenemos el primer -y conocidísimo- primer sencillo Chandelier; que según palabras de la autora, se centra en el alcoholismo en el que alguna vez se vio metida y su subsecuente felicidad. Aquella con  a la que no necesita el alcohol para llegar a ella.

En este video vemos como una pequeña niña de 12 años (llamada Maddie Ziegler) se dedica a hacer una complicada coreografía, en una habitación abandonada, usando una peluca rubia y un leotardo color piel. Tanto la chica como Sia han expresado que ella representa una pequeña versión de sí misma. Aquella que todavía es inocente y que todo lo ve con la mirada de un niño. Con esperanza.

Pues bien, esta semana salió a la luz el video de su sencillo “Elastic Heart”, mismo que ya había estado presente en el OST de “Catching Fire” del año pasado. En él vemos (de nuevo) a Maddie realizando otra intrincada coreografía pero esta vez acompañada del controversial actor Shia Labeouf.

Si no lo has visto,  aquí  te dejo la liga: https://www.youtube.com/watch?v=KWZGAExj-es

Como era de esperarse, a Sia le cayó una lluvia de quejas argumentando “pedofilia” y “abuso infantil”. Ella, entonces, decidió disculparse con aquellas personas que se sintieron ofendidas por este video, que su única intención era mostrar algo diferente, artístico y muy personal. Y yo no podría estar más de acuerdo con ella.

Todas estas críticas que se centran en el tema de lo pedofilia, a mi parecer, se quedan nada más en la superficie del video  y de la letra de la canción. “Elastic Heart” es más que una niña bailando con un hombre maduro dentro de una jaula. Se trata de una mujer llena de inseguridades confrontando sus peores miedos.

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De inicio, la clave para poder entender el video es saber de qué trata la canción y poner especial atención en la letra. “Elastic Heart” es, creo, una oda al corazón roto y el miedo a volver a enamorarte. Que, en el siguiente extracto se explica a la perfección:

You did not break me
I’m still fighting for peace

Y eso es lo que podemos ver, consistentemente, en el video: una pequeña niña que huye de sus miedos (en este caso representados por un hombre adulto: Shia Labeouf) que la persiguen y no la quieren dejar escapar de la jaula en la que los dos se encuentran tranquilos.

Ella, por un lado, trata de huir constantemente de él. Le pega y lo lastima para que la deje en paz pero cuando encuentra una salida, de la cárcel en la que se encuentran los dos, trata de llevárselo con ella sin resultados positivos.

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Al final, ella insiste en sacar a Shia de la jaula y él, después de muchos intentos, termina muriendo. Dejando a una pequeña niña asustada fuera de la jaula y muerta de miedo.Sia, de esta forma, nos explica la forma tan obsesiva que tenemos de vivir con nuestros miedos, lo difícil que es convivir con ellos pero lo complicado que es dejarlos ir.

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Con todo esto, no puedo seguir creyendo que la gente se quede con la primera idea que ve en un video: una niña bailando con un adulto. Eso habla mucho de las concepciones que tenemos como sociedad y la relación intrínseca que se piensa (de inmediato) que deben tener un hombre y una mujer: la física y sexual.

Para mí, “Elastic Heart” es un hermoso fragmento audiovisual abstraído directamente del corazón de la cantautora (porque ella también lo dirige) y no creo que haya  visto (o vaya a volver a ver) algo tan hermoso, y sincero, como éste video en mucho tiempo.

Cuando la muerte de un personaje tiene su propósito.

En el cine, la literatura y la televisión es común que nosotros, como espectadores, nos encariñemos con algún personaje y nos sintamos identificados con sus características intrínsecas de acción.

Sin embargo, también es muy común que, por esa misma cercanía, los autores decidan tomar decisiones radicales sobre su destino en las historias. Donde, en el peor de los casos, siempre termina por ser la muerte.

A mi parecer, matar a un personaje principal (o influyente) puede tener dos repercusiones: afectar directamente la línea rectora de la historia -y con ello, a sus personajes- o, por otro lado, no causar impacto alguno.

Creo, fervientemente, que el recurso de la muerte de un personaje principal debe apuntar más a cumplir con el primer propósito que con el segundo. Contrario a lo que sucede actualmente, donde los personajes son deshechados con el simple propósito de generar impacto en las audiencias y no en el curso de la historia.

Una muerte, en cualquier relato, debe ser decidida concienzudamente y con un propósito en particular. Un autor no debería estar matando personajes, a diestra y siniestra, sin tener un propósito en particular por el cual hacerlo.

La muerte de un personaje debe de ser, irremediablemente, influyente en la historia. Este suceso debe crear un impacto y modificar el ritmo narrativo de lo que se está contando. No debe ser una herramienta de provocación de audiencias.

El mejor ejemplo que me viene a la cabeza es la muerte de Hank en Breaking Bad. Dicha decisión impactó de forma tal la historia que los eventos que ocurrieron en los capítulos siguiente son consecuencia directa de esta situación. Una idea buena con un propósito útil.

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Lo mismo sucede con el personaje de Ellen Page en la película de ‘Super’. Su muerte inspira a Frank para tener la valentía suficiente de confrontar sus miedos y salvar a sus esposa.

Varios son los autores que se distinguen por no tener misericordia con sus personajes. Desde Ryan Murphy hasta Steven Moffat, ellos se han deshecho de tantos individuos de relevancia en sus historias como han producido series.

Ryan Murphy se ha encargado de empalar, degollar, desollar y atropellar a sus personajes en la serie de AHS. Sin embargo, la mayor parte del tiempo se ha arrepentido de ello, al ver el poco impacto que genera,  y ha preferido “regresarlos a la vida” de diferentes -y poco creativas- situaciones.

Ahí tenemos el caso de (casi) todos los personajes de AHS: Coven y las esposas de Kit en AHS: Asylum. Todos ellos viven y re-viven tanto que pierden toda seriedad y sentido de pertenecer a cada serie.

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Steven Moffat es reconocido por ser un “asesino sin misericordia” de sus personajes, yo digo, por otra parte, que es más bien, un hombre que le gusta complacer  a las audiencias.  Cuando los espectadores comienzan a quejarse de la falta de historia en sus series, crea un arco muy dramático, cuando argumentan que hacen falta muertes, mata a un personaje (más o menos) importante y no genera un impacto en la historia.

La muerte de Osgood en “Death In Heaven” es el mejor ejemplo de ello. Muchos fans comenzaron a quejarse de falta de impacto y drama en la serie, a lo que Moffat decide matarla y no crear ningún tipo de impacto en la narrativa o vida de los personajes principales.

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Que un personaje sea eliminado de su propia historia por el simple motivo de que su autor pruebe que no tiene misericordia y que es”impredecible” es la peor justificación que se puede dar. Se siente como algo barato e improvisado.

Por ello creo que, sí, la muerte de un personaje principal (o muy querido) de una historia siempre va a generar impacto en las audiencias. Sin embargo, está en los autores saber que lo que hacen tiene un propósito para influir en la historia o sólo están tratando de probar algo.