Las ceremonias obligadas del cuerpo en Orphan Black

La relación de cuerpo-poder ha sido base del planteamiento teórico y filosófico de muchos académicos . Sin embargo, nadie lo ha tratado más a fondo como Michel Foucault. Según el autor (1975), el cuerpo está directamente inmerso en un campo político; las relaciones de poder operan sobre él una presa inmediata; lo cercan, lo doman, lo marcan , lo someten a suplicio, lo fuerzan a unos trabajos, lo obligan a unas ceremonias, exigen de él unos signos. El cuerpo, entonces, está imbuido en las relaciones de poder, no puede escapar de ellas.

Este poder infligido sobre el cuerpo permea todos los aspectos de nuestras vidas; tan sólo con echar un vistazo en las diferentes formas en que, como sociedad, nos entendemos podemos ver cómo lo primero que cosificamos es el cuerpo del otro, cómo nos comunicamos a través y gracias a él, cómo reclamamos la pertenencia e individualidad del otro a través de su cuerpo, pero, sobre todo, cómo nos apropiamos del otro gracias y a través de su  cuerpo. Nuestro cuerpo nos pertenece, sí, pero también está a merced de las relaciones de poder que los demás ejercen en los diferentes campos.

Lo que el otro reclama sobre nosotros siempre, e irrevocablemente, será la libertad sobre el propio cuerpo. Hoy en día muy pocas series y filmes se encargan de reflejar eso tanto y tan bien como en el programa canadiense de la BBC, Orphan Black.

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En ella, las protagonistas son clones que buscan su propósito y motivo de existir, sin embargo, existen varias organizaciones que están decididas por reclamar propiedad sobre ellas, su cuerpo y su agencia.

Cosima, Alison, Sarah, Beth, Helena, Rachel y Krystal son tan sólo algunas de las clones que conocemos. Son mujeres con agencia que buscan hablar por si mismas, poder ser libres de vivir sin que ninguna organización, persona o sociedad decida sobre ellas y su cuerpo.

Las relaciones de poder inmiscuidas a su alrededor crean redes involuntarias de dominación por parte de las instituciones y los individuos.  En Orphan Black éstas giran alrededor de dos grandes grupos: los científicos y religiosos; la dicotomía típica del mundo contemporáneo.

Desde el punto de vista científico, su cuerpo no es más que un objeto más de análisis que no tiene otro fin más que aportar datos a las investigaciones relacionadas con el progreso y el mantenimiento de la vida humana. Ellas poseen en su código genético algo que nunca antes se había podido encontrar en otro ser humano: la permanencia y esencia del ser humano. Son desposeídas de su humanidad para ser reducidas a un simple experimento de la ciencia. Sarah y sus hermanas son perseguidas para ser analizadas y marcadas.

Las instituciones religiosas, por otro lado, las necesitan para controlarlas y otorgarles la única función que para ellos es esencial en una mujer: la reproducción de la especie humana. En su discurso, el cuerpo de los clones no es resultado de un experimento científico sino una aberración que necesita ser re-interpretada y santificada por medio de la maternidad. Su cuerpo no es suyo, siempre le ha pertenecido a dios y su plan divino, por ello, es necesario cercarlo y obligarlo a participar en sus ceremonias.

Bajo ese precepto es como podemos entender a Helena, una asesina a sueldo que creció dentro de una organización religiosa donde los clones eran vistos como demonios disfrazados en el cuerpo de una mujer con la única función de tentar a los hombres.

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Tal poder infligido sobre ellas depende invariablemente de la posición que gozan dentro del campo de poder y la sociedad en la que se desarrollan. Al ser mujeres gozan de un privilegio menor que el de los hombres, individuos que, aún así, encuentran sus vidas atravesadas por las relaciones de poder.

Resulta conveniente que en la serie también exista una rama de clones masculinos criados por la milicia, donde la fuerza bruta es su característica esencial y motivación básica. Mientras las mujeres son criadas para ayudar a reproducir y mejorar a la raza humana, los hombres están encargados de defenderla.

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Desde luego, ellos y ellas forman parte de una sociedad, por lo que su cuerpo no sólo es sometido a las relaciones de poder infligidas por las instituciones, sino que sus cuerpos también son domados por las personas a su alrededor para corresponder al estilo de vida que refleja sus esferas más cercanas. Alison, por ejemplo, es la madre de casa abnegada que se encuentra en constante lucha por alcanzar el papel de la matriarca indomable que la sociedad ávidamente celebra, mientras que Rudy debe comportarse como el depredador sexual que los demás esperan que sea.

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Lo que Orphan Black logra visibilizar con su discurso es que, invariablemente, el cuerpo termina por ser el medio de expresión y comunicación no sólo del individuo que lo porta, sino de las redes que lo rodean. El poder que se ejerce sobre él dependerá de la posición que tienen dentro del campo de poder y las relaciones de poder que atraviesen a su propia agencia.

Foucault, M. (1975) Vigilar y Castigar, p. 32.

 

 

 

El club de las comediantes de lo surreal.

Si hay algo que ha prevalecido con el paso del tiempo en el medio del entretenimiento es, sin lugar a dudas, la comedia surreal y absurda. Aquella que nos pone frente a situaciones ilógicas, y sin sentido, con el fin de hacernos reír a través de lo ridículo y la contraposición del análisis lógico de la realidad con lo irreal.

En una serie de televisión donde la comedia surreal tiene protagonismo narrativo, es natural encontrarse con una escena donde la abuela matriarca de una familia es una marioneta, u otra donde un perro es el compañero de un policía y conduce una patrulla, o una donde una actriz es reemplazada por un borrego en una escena sin razón aparente.

La magia detrás de este tipo de comedia sucede cuando los participantes involucrados en ella la entienden como tal y se dejen llevar por el momento. Una escena absurda sólo funciona cuando los actores se dejan llevar y de verdad creen que lo que está sucediendo frente a ellos es algo absolutamente normal y muy plausible. Algo que las comediantes protagonistas de series están más que encantadas por hacer.

Hoy en día existe un grupo de mujeres cómicas  que se encargan de representar  y reaccionar ante las situaciones más absurda e ilógicas de la televisión: Maria Bamford, Ellie Kemper, Rashida Jones, Natasha Leggero y Riki Lindhome. Este grupo de increíbles comediantes se han dedicado a romper todas las barreras del sentido común y las buenas costumbres con sus respectivas series: Lady Dynamite, Unbreakable Kimmy Schmidt, Angie Tribeca Another Period en Netflix, TBS y Comedy Central respectivamente.

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Realmente no es sorpresa que podamos disfrutar de dichas historias en tales plataformas, después de todo, la comedia absurda necesita de un hogar donde los límites se desdibujen y las narrativas se modifiquen según las necesidades del programa. Mientras que Netflix, por si mismo, trabaja fuera de cualquier norma o regla de televisión típica, TBS y Comedy Central son canales de televisión por cable, ese maravilloso lugar en la televisión donde la censura y rectitud no tienen cabida.

Una de las características más relevantes dentro del mundo de lo irreal es la capacidad de crítica profunda que un discurso de comedia con tintes absurdos puede proponer. Mientras que lo surreal se encarga de abordar todo aquello que el sentido común y la lógica no alcanzan a limitar, lo cómico lo representa de forma empática.

De esa forma, en el mundo de Lady Dynamite Unbreakable Kimmy Schmidt el trauma, la depresión y las enfermedades mentales son los detonadores perfectos para retratar el día a día de las personas afectadas, las víctimas que normalmente no tienen voz. Por ello, y con grandes dosis de comedia surreal, es que estas series presentan personajes rotos con pasados oscuros: Maria es bipolar y Kimmy es sobreviviente de un secuestro.

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Las actrices  que le dan vida a dichos personajes representan sus papeles con tanta seguridad, y sin tapujos, que, no sólo logran crear conciencia alrededor del tema, sino que también eliminan el tabú que permea y segrega a dichas situaciones diariamente, en nuestra  realidad, gracias a un discurso positivo y muy cómico.

Así, podemos tener un capítulo donde las personas tóxicas de la vida de Maria, en Lady Dynamite, se fusionan para convertirse en un cuyo y meterse en su cabeza o una escena donde Kimmy habla de su lugar seguro, en Unbreakable Kimmy Schmidt, donde vive una vida de princesa con animales que cantan.

En Another Period, los escritores aprovechan el formato de reality show para retratar, y criticar, las narrativas que la aristocracia de principios del siglo 20 manejaba y que, aún hoy en día, es posible encontrar en las esferas sociales de clase alta. La familia Bellacourt, dirigida por las hermanas Beatrice y Lilian, vive sus días rodeada de drogas, sexo desenfrenado y altas dosis de sexismo, elementos que atraviesan todas las historias de forma crítica y divertida, sin perder la seriedad detrás del tema.

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Lilian y Beatrice viven su día a día rodeadas de riqueza y disfrutando cenas con personajes históricos tan emblemáticos como Mahatma Gandhi, Mark Twain o Hellen Keller que gozan, por si mismos, de sus propias características absurdas y poco comunes.

Mientras que la comedia surreal funciona la mayor de las veces como catálisis crítico, también a veces existe dentro de una narrativa con el único propósito de hacer reír, de buscar una risa simple y crear historias incoherentes para el alma del televidente que busca algo más allá de las típicas historias con moraleja.

Algo que sucede con Angie Tribeca, una serie que gira alrededor de su protagonista, Angie Tribeca: una policía que se enfrenta con casos y situaciones tan irreverentes como poco plausibles y que sólo con una buena dosis de comedia absurda y un buen sentido del humor es posible disfrutar. Así, es posible ver a Angie practicando su tino disparándole a zombies para después encontrarse en la siguiente escena con su compañero perro que busca a un sospechoso en la computadora.

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Estas comediantes de lo surreal nos proponen enfrentarnos a situaciones ilógicas, y sin sentido, que nos harán reír gracias al aprovechamiento de lo ridículo y la contraposición del análisis lógico de la realidad. Por ello, para poder disfrutar de sus series, necesitamos modificar nuestros paradigmas y entender de dónde viene el discurso y qué es lo que intentan comunicar con ello.

 

 

 

La redención de Once Upon a Time con sus villanos

Para tratarse de una serie donde el único arco narrativo que ha funcionado adecuadamente se desarrolló a lo largo de la primera temporada, Once Upon A Time ha logrado mantenerse al aire -y  sorpresivamente con buenos ratings- por cinco temporadas.

En ellas hemos podido ver a muchos de nuestros personajes favoritos de Disney (y algunos otros partícipes de historias infantiles) tomar vida en un mundo donde la magia y los personajes de fantasía son reales y viven en diferentes reinos ajenos a nosotros.

Así, la historia principal gira alrededor de Snow White, Prince Charming,  su hija -y salvadora de todos los reinos- Emma Swan y la Evil Queen. Sin embargo, también, llegamos a conocer a una serie de héroes y villanos que protagonizan dichas aventuras con nuestros personajes.

Lo más interesante de la serie gira. entonces, alrededor de la “perturbación” (por así decirlo) de la realidad dicotómica  presente en muchas historias infantiles tradicionales de héroes/villanos, la cual  los escritores se encargan de tratar casi en su totalidad temporada tras temporada

En el mundo de Once Upon a Time existen los héroes y los villanos, sí, pero cada uno de los personajes (al menos los protagonistas que no se quedan en un nivel unidimensional) tienen sus propias capas y borrosidades que los conforman y construyen capítulo con capítulo. No todos los villanos son completamente malos, ni los héroes se salvan de tener pensamientos y acciones oscuras.

Por ello, es común que nos encontremos con historias donde los héroes realizan una atrocidad digna de algún villano en pos de un bien común o donde uno de los villanos se percata de lo mucho que ha lastimado a la gente a su alrededor y lo mucho que le gustaría tener un final feliz (otro elemento recurrente de la serie). Algo que la lleva a crear capítulos interersantísimos donde se realiza un estudio de personajes muy profundo.

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Por supuesto que, como toda serie, resulta un tanto complicado poder dedicar suficiente tiempo y esfuerzo para desarrollar a todos los personajes e historias interesantes (sobre todo porque Once Upon a Time se distingue por contar cor una amplia variedad de ellos). Por ello, si hay algo por lo que realmente puede distinguirse es por su tratamiento tan dedicado y meticuloso que le otorga a la redención de sus villanos.

Actualmente es mucho más sencillo mostrar en la televisión a personajes heroicos siendo buenos y haciendo cosas buenas sin necesidad de desarrollarlos demasiado. Lo interesante es cuando tales epítomes del personaje unidimensional reciben una construcción más profunda de sus motivaciones y acciones.

Los villanos en esta serie buscan redención (la mayor parte de las veces) debido al amor, la falta de personas importantes en su vida y la necesidad de ser reconocidos. El poder, la venganza y los celos, por otro lado, son las causas esenciales de su maldad. Experiencias dicotómicas para personajes que no quieren serlo.

Ahí tenemos a la Evil Queen (y su alter ego, Regina) que temporada tras temporada ha ido creciendo y evolucionando de ser una ridiculización del típico villano de Disney a ser un personaje bien formado, con preocupaciones, miedos y agencia. Una mujer que se preocupa más por el bienestar de su hijo que por crear un nuevo plan para destruir a Snow White.

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Sus motivaciones comienzan siendo un tanto caricaturezcas y terminan por crecer en ella, en su poder de decidir sobre su futuro y en la capacidad que tiene de manejar el pasado, como cualquier otro ser humano; ahí es donde radica una de las cualidades de la serie, en la humanización de personajes que fácilmente podrían ser ridiculizados y aprovechados como simples momentos que se pierden en la trama.

Lo mismo sucede con Zelena, la media hermana de Regina y Wicked Witch de Oz,  villana cegada por la envidia, pero  que desesperadamente busca una familia a la cuál pertenecer. Misma que los escritores dedican 3 temporadas para desarrollar su personaje, las razones detrás de su maldad y los motivos por los que evoluciona para ser la mujer que es ahora. Ella, como todos en esta vida, también quiere tener su final feliz.

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La sinceridad con la que los villanos en busca de redención rigen sus acciones es suficiente para acaparar la atención de un capítulo completo, a pesar de las otras historias de trasfondo que se desarrollen en el mismo.

Ingrid, tía de Anna y Elsa (lo sé, lo entenderán cuando vean la serie) muestra una amplia gama de sentimientos a lo largo de su arco en la 4 temporada donde, al igual que el resto de los villanos, busca pertenecer a alguna parte y que, en su viaje, entiende lo valioso que puede ser una redención,  aceptar una equivocación y buscar ser una mejor persona después de ello.

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Las historias no son buenas, ni muy creativas, lo admito, pero cuando se trata de desarrollar personajes con motivaciones escabrosas que buscan redimir sus errores del pasado, la serie sabe alcanzar el punto perfecto entre un buen desarrollo de personaje y avance narrativo.

 

The color narrative in audiovisual stories.

It’s very well known that our brain has a wonderful way of working when it comes to color. It could react to a certain, and specific, situation depending on the one that surrounds the person at issue the same way it could understand a feeling with an  auxiliary color. Color is important to our lives. Color is everywhere.

Color is a wonderful narrative device that can carry a whole scene with emotional depth and no dialogue whatsoever. The beauty of it lies in its habilty to communicate directly with our feelings whereas our brains can fully understand the message separately.

So, it’s not suprise that color and audiovisual stories (TV and Cinema) have had, from the very beginning, an intrinsical link.  With color you can transform a bubbly and happy scene into something dark and sinister, you can also communicate to the audience the frame of mind of a certain character by the color he or she is wearing in their clothes, and you can even distinguish periods of time, on a movie or TV show, with color and shades.

You could say a lot of things just by using one color. Blue can be related to sadness and melancholy the same way it could be linked with life. Yellow, on the other hand, can be attached with happiness and magic, but also with anger.

You just have to take a look into the current TV shows on air to find color narratives all over the place. Whereas Netflix’s Jessica Jones tries to mimic the film noir atmosphere we all love with dark surroundings and grey areas in its sceneries, Unbreakable Kimmy Schmidt paints its frames with bright and happy colors to imitate the kind of psychotropic world where all its characters live in.

In Richard LaGravanese’s nonlinear narrative film, The Last Five Years,  we understand that a time jump happens -in the past and in the future-  by painting all over the sad scenes with intense dark gloomy colors, and with colorful bright shades on the happy ones.

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The same thing happens in Alejandro González Iñarritu’s Birdman, when the narrative is trying to tell apart the dream sequences, using yellow tones,  from the reality, with blue hues, only to mix them up by the very end when the character, and the movie, can’t tell the difference between Birdman and Riggan Thomson.

Notwithstanding, in Judd Apatow’s anti-rom-com-ish Netflix show, Love,  we see, in the first episode, our protagonist Gus buying  online a blue rug before breaking up with her girlfriend, only to discover the next day an orange one standing on his door. Right after this, Mickey bumps into his life using an orange blouse, and, from that very moment, we see both of them wearing clothes with all the possible variations of this colors all over the season, like a colorful dance of feelings.

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Something similar happens with Robin Wright’s character in House Of Cards, Claire. Whilst her wardrobe in the show consists in a wonderful variety of beautiful and elegant dresses, its colors oscillate between white and black depending on how dark or empathic she acts along each episode. So is natural to see her wearing a sober black dress while scheming a new plan with her husband to win over the white house in one scene, and using a white and delicate gown in bed with her lover in another.

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There’s even an interesting internet theory that develops on the ambivalency between the constant presence of  purple and yellow in How I Met Your Mother that suits very well within their narrative logic.

Color is, then, more than just a tool that could turn animated images into life.  Color, as it happens with feelings an sensations, is constantly attached to our perspective and our usual way of understanding life. We translate experiences that we paint with our minds.

Color is extremely important within any audiovisual story narrative. Whether a movie or a TV show is trying to communicate the very central core of its message using a beautiful color palette or accompanying a character quest between realms with only one shade, color will always be the perfect way to do so.

 

 

8 películas para el alma anti-Chick-Flick.

No les voy a mentir, me gustan mucho y soy fan de los chick-flicks. Con sólo dar un brinco a mi biblioteca fílmica sería suficiente para comprobar dos cosas: a)  que 1 de cada 3 películas  que tengo es romántica 2) compro muchas películas.

Según el internet, las chick-flicks constituyen parte de un género fílmico que dedica sus narrativas a apelar temas como el amor y el romance y donde las historias giran en torno a relaciones amorosas.

Es un hecho, las chick-flicks están atiborradas de clichés, tropes gastados y formulas que se reproducen en todas y cada una de ellas. Básicamente, las películas románticas son el epítome de la falta de originalidad y las historias cursis.

Es por ello que, cuando me encuentro con un filme donde los clichés son modificados, la narrativa es diferente, los elementos que la componen mezclan diferentes géneros y la propuesta es arriesgada, realmente lo agradezco. Mientras mi niño cursi interior pega brincos de la felicidad.

Es por eso que he decidido compartirles 8 películas románticas que se salen de la fórmula típica y nos invitan, gracias a elementos de fantasía o sci-fi, a entender el amor, el romance y las relaciones amorosas como algo mucho más grande y poco común a lo que acostumbramos a ver a diario.

Safety Not Guaranteed (2012) Colin Trevorrow.

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Ya he hablado antes de esta gran historia propuesta por Colin Trevorrow. En ella nos presenta la historia de Darius (Aubrey Plaza), una pasante a periodista que decide investigar con su equipo un anuncio publicado en el periódico de un hombre llamado Kenneth (Mark Duplass) que busca un compañero para regresar en el tiempo con una máquina que el mismo inventó.

No hace falta agregar que es una historia que centra su narrativa en el romance, pero que está sumergida en el mundo del sci-fi. Impredecible e imperdible.

The One I Love (2014) Charlie McDowell.

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Otra increíble película protagonizada por Mark Duplass, donde actúa como Ethan  que junto con su esposa Sophie (Elisabeth Moss) viven infelices como pareja, por lo que deciden acudir a terapia. Ahí, su terapeuta (Ted Danson) les sugiere pasar tiempo de calidad en una cabaña. Al llegar ahí, sucede una serie de situaciones fuera de lo normal que no puedo describir sin soltar elementos claves de la trama.

Perfecta para aquel cinéfilo o cinéfila que tiene ganas de ver algo totalmente diferente a lo que estamos acostumbrados.

Ruby Sparks (2012) Jonathan Dayton, Valerie Faris.

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Personalmente, es una de mis películas favoritas. Narra la historia de Calvin (Paul Dano), un escritor desesperado por escribir algo nuevo y superar a su ex-novia, cuando un día aparece en su casa una chica llamada Ruby Sparks (Zoey Kazan) que, casualmente, había escrito la noche anterior en lo que se supone que es su nueva novela.

Extraordinariamente contada. Una historia que habla del amor propio, el amor a la pareja y lo que es capaz de ocasionar el orgullo cuando se pierde el control control.

Upside Down (2012) Juan Solanas.

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¿Qué pasaría si viviéramos en un mundo donde las clases sociales se separaran gracias a la ley de la gravedad? Esa es la premisa de Upside Down. Una historia que narra la relación amorosa entre Adam (Jim Sturgess) y Eden (Kirsten Dunst) una pareja que vive cada uno en planetas opuestos con gravedades que los empujan a direcciones opuestas.

Una especie de Romeo y Julieta moderno donde los límites que se interponen entre cada uno de ellos son reales y casi imposibles de cruzar.

Eternal Sunshine Of A Spotless Mind (2004) Michel Gondry.

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Joel (Jim Carrey) y Clementine (Kate Winslet) forman una pareja donde cada uno ya no es feliz con el otro. Esto sucede en una realidad donde existe Lacuna Inc. una empresa capaz de borrar de tu memoria a una persona. Por ello, Clementine decide llevar a cabo el proceso, mientras que Joel, en venganza, hace lo mismo sin percatarse de lo mucho que extrañaría sus recuerdos con ella.

Una película que existe gracias a las mentes creativas de Charlie Kauffman y Michel Gondry, donde el mundo onírico y el real se mezclan a la perfección gracias a un excelente trabajo de edición y un guión increíble.

About Time (2013) Richard Curtis.

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Tim (Domnhall Gleeson) proviene de una familia donde los hombres tienen la capacidad de viajar en el tiempo. Así que, cuando decide irse a vivir a Londres, conoce a Mary (Rachel McAdams), una editora estadounidense que lo cautiva. Sin embargo, debido a una serie de eventos, debe regresar en el tiempo a tratar de conocerla de nuevo y enmendar eventos de su pasado.

Richard Curtis también dirige ‘Love Actually’, ¿Neceito decir algo más?

Never Let Me Go  (2010) Mark Romanek.

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Basada en la novela de Kazuo Ishiguro, narra la historia de Kathy (Carey Mulligan), Tommy (Andrew Garfield) y Ruth (Keira Knightley) un trío de amigos que se conocen desde la infancia y viven momentos de amor y desamor juntos. Todo en un futuro distópico donde existen escuelas donde crían niños que tienen la única función de donar órganos.

Historia de amor con muchao Sci-Fi, drama y triángulos amorosos.

Comet (2014) Sam Esmail.

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Kimberly (Emmy Rossum) y Dell (Justin Long) se conocen en una muestra de cine al aire libre, mientras  su romance trasciende a diferentes realidades alternas.

Más que una película, es un poema visual y una oda al amor, a lom que pasa en la vida de pareja, a lo que puede pasar y a lo que nunca será.

Así que ahí lo tienen, si buscan opciones cinematográficas diferentes a lo común, estas 8 opciones son perfectas para ustedes. No olviden decirme en los comentarios cómo les parecieron.

Como me gustó tanto escribir este post, voy as seguir realizando entradas donde recomiende películas que compartan un tema o líneas narrativas.