The Flash y la representación de las masculinidades contemporáneas

Vivimos en una época donde podemos encontrar en todas partes narrativas que giran alrededor de superhéroes. Si hay algo que la televisión, el cine y los cómics nos han enseñado a través de los tiempos, es que no es necesario contar historias complicadas para poder disfrutar de los mejores momentos de nuestros héroes favoritos.

Sería un error decir que estos personajes icónicos no representan la idealización de lo que el ser humano debería ser. Un superhéroe, más allá de sus conflictos internos y modos de reaccionar, es un modelo de conducta, es la construcción del sujeto moral que defiende al inocente y que es difícilmente corrompido.

Los superhéroes, al igual que las deidades, reflejan las necesidades de las sociedades, y contextos, en los que se encuentran inscritos, mientras actúan según las preconcepciones y roles que cada cultura les otorga. Superman es el mejor ejemplo de ello,  ya que funcionó como solución a la necesidad de historias optimistas de momentos difíciles que atravesó Estados Unidos con La Gran Depresión , Capitán América, por su parte, hizo lo mismo en medio de la Segunda Guerra Mundial.

Algo muy parecido sucede hoy en día con las adaptaciones de historias de superhéroes y las narrativas alrededor de la representación de género en la sociedad, sobre todo en televisión.   Mientras Jessica Jones se ha encargado de profundizar en el tema de el consentimiento y la agencia de los personajes femeninos y Supergirl ha centrado sus esfuerzos en hablar sobre el empoderamiento femenino y la importancia de las amistades, The Flash ha hecho un increíble trabajo tratando de reflejar las masculinidades contemporáneas y lo que significa ser hombre en la actualidad.

Si hay algo que han logrado The Flash y sus creadores con esta serie, es desarrollar un relato donde la construcción de sus personajes goza de la misma relevancia que la historia dentro de la narrativa. Así, cada capítulo es diseñado para distribuir equitativamente su tiempo entre sujetos y acción, lo que da pie a un interesante estudio de personajes tanto femeninos como masculinos.

Sin embargo, lo que resulta realmente cautivador del mundo de The Flash es la facilidad con la que representa a su variedad de masculinidades.

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Desde el enfoque de género, la masculinidad se entiende como el conjunto de valores, rasgos y características que la sociedad acepta y valida como comunes en un hombre. Las masculinidades, como parte importante de un sentido de identidad, son variadas y muy diferentes.No existe una sola forma de ser hombre ni de construir a un “El Hombre” como tal.

Por ello, la serie presenta adecuadamente un abanico amplio de masculinidades que permiten entender y visualizar diferentes rasgos de lo que significa para los personajes masculinos “ser hombre” y las maneras en que lo adaptan a su propia personalidad. La paternidad, la vulnerabilidad, el orgullo, el honor y la preocupación por el otro son tan solo algunos de ellos.

La paternidad y las diferentes formas en las que una persona puede convertirse en padre son clave para la narrativa de esta serie. Entender que engendrar a un hijo o hija no convierte automáticamente a alguien en padre es esencial para comprender sus implicaciones dentro de la construcción de la masculinidad en el sujeto.

En The Flash, un padre es aquella figura paterna que se preocupa por tu bienestar, con el que se comparte un lazo fuerte, al que se le puede confiar cualquier cosa y con el que se puede mostrar vulnerable sin temor a sentirse reprimido.

Que Henry Allen sea  el padre de Barry Allen, y esté presente siempre en la vida de su hijo aunque esté encerrado en la cárcel, no significa que Joe West no pueda ser parte de su vida de la misma forma al convertirse en su tutor legal y ejemplo a seguir. Que Harrison Wells no sea el padre de Cisco Ramón no impide que funcione en su vida como aquella figura de autoridad, respeto y admiración que él busca en un padre. Darle vida a alguien es muy fácil, formar un lazo es lo que puede resultar complicado.

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Estas tres figuras paternas también forman parte clave en la creación y crecimiento del héroe. The Flash necesita del apoyo emocional de Henry Allen para no perder los pies de la tierra, de la guía de Joe West para no olvidar su propósito y del conocimiento de Harrison Wells para no perder el control de sus habilidades y de sus emociones, pero sobre todo, necesita de la humanidad de Barry Allen para no dejarse llevar por el ego.

Si la humanidad de Barry es el motor que lo motiva a tomar un camino, la construcción y entendimiento de su propia identidad es el pavimento que lo mantiene corriendo. Él es una persona sensible, que se preocupa por los demás y que, muchas veces, se deja llevar por la impulsividad y sus emociones. Sin embargo, son esos rasgos lo que lo motivan a comunicarse con sus seres queridos sin miedo a mostrarse vulnerable frente a otro hombre.

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Las masculinidades son algo más que una serie de representaciones de lo masculino. Son rasgos, características, principios, valores y perfiles cambiantes que no dejan de moverse gracias a la agencia y motivación de los propios sujetos. Los hombres construyen su masculinidad a partir, y a través,  de ellos.

Los hombres en el mundo de The Flash son conscientes tanto de ello como de los propios alcances que tienen como individuos con agencia.  No son definidos por sus acciones, no son sujetos enmarcados por sus decisiones, su personalidad no es estática ni tampoco inamovible. Eddie Thawne, por ejemplo, rige su camino y modos de actuar según  sus principios, Cisco Ramón lo hace con su instinto y emociones, Harrison Wells con su ambición.

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Entender que el espectro de masculinidades es tan amplio como las aventuras de The Flash es esencial para comprender el trasfondo real de la serie. Disfrutar de una historia tan rica en personajes y representaciones contemporáneas de los hombres es lo que realmente la hace tan innovadora y emocionante.

Si Capitán América y Superman funcionaron como modelos a seguir y agentes de felicidad en una época de tristeza y desesperación, las adaptaciones a la televisión de Jessica Jones, Supergirl y Flash están funcionando como representaciones necesarias de género en respuesta al discurso sexista que vivimos día a día.

 

 

Finding Dory and the narratives within the difference

“Hi! My name is Dory and I have short term memory loss” would be the dialogue that can actually sum up what Finding Dory is really about. Sure, you can say that is nothing more than a sequel of one of the most famous and loved Pixar movies: Finding Nemo. You can also argue that the movie is really about finding who you really are and where do you came from. I couldn’t agree more, Finding Dory is all of that, but It’s also about learning to respect people and embrace their differences.

Dory, as you all know, is everything but average. She lost her parents at a very early age and had to live with short term memory loss. She’s a survivor, one that has been rejected her whole life because of something she hasn’t control over, something that the movie effectively depicts with a heartbreaking montage of Dory looking for her parents. She had to put up with a constant loneliness and discrimination she was subjected,  until Nemo and Marlin entered in her life.

She, however, is not a victim and, certainly, doesn’t feel like one, nor she wants to be treated like one. Dory’s plan this time is to find her parents, in order to learn where she is from and, ultimately, to know more about the story behind the narrative their parents wrote about her when she was a baby.

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Narratives, as Dory learns along the movie, are fundamental to our lives, they are the stories about to be told. Hence, narratives operate like stories we create about ourselves and everything that happens to us along the way, they are also the ones that we tell everybody else about us. A carefully well-written narrative can always remain embedded on the mind of even the most forgetful individual, including a plucky blue tang with short term memory loss.

Finding Dory, much as Finding Nemo, focus a lot of its story on the importance of the narrative that parents construct around their children when thye’re growing up on different contexts. Whilst Marlin overprotected, and try to isolate, Nemo from everything outside their home due to his constant fear of the unknown, Charlie an Jenny (Dory’s parents) encouraged their daughter to be always curious but cautious.

As you can imagine, this narratives are representative of the same juxtaposition people nowadays present as an essential part of their own pathos. Whereas Marlin’s fear of the unknown prevails on the blatant expression of xenophobia we’ve seen lately on the extremists parties around the world, Charlie and Jenny’s openness to experiencing and embracing the difference can be found more and more surrounding us, specially in the young people.

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The idea of embracing the difference, and the common understanding of respect for the others, is where Disney and Pixar excels at with this movie. Not only because their narrative feels very actual and well-constructed, but because it tells a story  from the point of view of an uncommon character,  someone as Dory, which doesn’t have a lot of representation on the current media.

Long gone are the stories that aimed to persuade people to be obedient. Narratives nowadays, specially the ones that Disney is crafting within their movies, focus on characters that struggle to live on societies where bigotry and intolerance are everywhere they go. Moreover, their protagonists are independent, confident, and repectful.

Finding Dory ultimately is all about being true to yourself by embracing who you really are as well as the importance to consider the narratives that helped you to get there. Learning about it is just the first step to aknowledge the type of story you want to tell everybody about yourself and the differences you are able to accept.

 

 

Anna Kendrick: música, humor negro y 8 de sus películas que no te puedes perder

Si hay alguien que se ha visto más beneficiada por la creciente demanda de actrices cómicas con tintes dramáticos en su filmografía es, sin duda alguna, Anna Kendrick, actriz cuya carrera despegó gracias a su participación secundaria en la saga de Twilight y que actualmente es reconocida como una de las más grandes representantes de la comedia en Hollywood.

El interés de Kendrick por la actuación surge desde su niñez cuando, con tan solo 12 años, logró obtener el papel de Dinah en High Society  de Broadway. Desde entonces, se ha dedicado a participar en diferentes, y muy variados proyectos, donde ha logrado mostrar su innegable talento en el canto, la comedia y la actuación.

La actriz se ha distinguido por aparecer en un sinfín de películas, tanto como protagonista, como actriz secundaria. Por ello, y gracias al creciente interés que tengo por su carrera, he decidido crear un listado con sus mejores actuaciones en el cine, con el fin de que se disfrute en un día de binge-watching.

Películas donde Anna Kendrick es protagonista.

Pitch Perfect (2012) Jason Moore

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La película gira alrededor de Beca, una chica que quiere dedicarse a mezclar música pero, gracias a la insistencia de su padre, termina inscribiéndose a una escuela donde forma parte de un grupo femenino de acapella.

Este es uno de lo primeros filmes donde Kendrick pudo capturar la combinación perfecta entre su rango vocal y la comedia involuntaria que una historia tan formulaica como esta necesita. El Soundtrack es imperdible y la química entre las protagonistas es esencial para la película.

Vela si te gustó: Hairspray o Mamma Mia. 

Drinking Buddies (2013) Joe Swanberg

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Técnicamente, Anna es una de los 4 protagonistas de este filme independiente donde se explora el tema de las relaciones tanto de pareja como de amistad y el enorme espacio simbólico entre ambas. Kendrick interpreta a Jill, una chica que se encuentra en una posición difícil al verse envuelta en el amorío entre su novio Luke (Jake Johnson) y Kate (Olivia Wilde), mientras tiene que lidiar con sus propios problemas.

Lo que hace que su actuación llame mucho la atención es la naturalidad con la que actúa a su personaje. Gracias a ella, podemos ver como audiencia todo el rango de emociones que Jill experimenta cuando se da cuenta de lo que está sucediendo a su alrededor y también en sus subsecuentes consecuencias emocionales.

Extremadamente recomendable para las personas que gustan del cine independiente, las historias simples, el desarrollo de personajes y el análisis de conceptos actuales como el amor, la relación de pareja y el autoestima.

Vela si te gustó: Your Sister’s Sister, Frances Ha o Greenberg.

Rapture-Palooza (2013) Paul Middledich

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Película de humor negro donde la actriz interpreta a Lindsey, una de las pocas personas que, junto con su novio Ben (John Francis Daley), se queda atrás el día de la llegada del demonio a la tierra, mientras el resto de los humanos son rescatados por dios para ser elevados al cielo.

En este filme, la actriz nos muestra el rango de comedia que es capaz de alcanzar y lo mucho que un actor o actriz se puede divertir cuando no se toma en serio una historia. Contiene mucha comedia física, chistes vulgares y profanidad.

Vela si te gustó: This Is The End.

The Last Five Years (2014) Richard Lagravenese

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Una historia de amor y desamor musical que muestra la relación de Cathy y Jamie (Jeremy Jordan) a lo largo de 5 años. La narrativa sucede de forma anacrónica ya que se combinan los puntos de vista de cada personaje, mientras el pasado y el futuro se cruzan a lo largo de cada canción.

En mi opinión, una de las mejores actuaciones de la actriz. Kendrick canaliza y representa impecablemente a una mujer enamorada que termina por romperse después de vivir un matrimonio pasional y muy intenso con el hombre que consideraba el amor de su vida. Sobra decir que, una vez más, nos muestra que cuenta con un gran rango vocal y una enorme capacidad de representar personajes completos.

Vela si te gustó: (500) Days of Summer, Ruby Sparks, Once.

Películas donde Anna Kendrick es personaje secundario

Up In The Air (2008) Jason Reitman

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Esta película nos presenta a Ryan (George Clooney) la estrella de una empresa que se dedica a volar de ciudad en ciudad para despedir empleados de otras empresas. Kendrick interpreta a Natalie, una soñadora que propone un nuevo método con el que no se necesite moverse de un lado a otro para llevarse a cabo y que termina por acompañar al protagonista a lo largo de todos sus viajes.

Gracias a esta película, Anna obtuvo su primera nominación al Oscar como mejor actriz de reparto, reconocimiento que, sin duda alguna, merece por su sorprendente interpretación de Natalie, una mujer que se niega a rendirse ante la negatividad a su alrededor y las falsas esperanzas de aspirar a conseguir un trabajo mejor.

Vela si te gustó: The Descendants o This is Where I Leave You. 

Scott Pilgrim Vs. The World (2010) Edgar Wright

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Adaptación del cómic con el mismo nombre donde un adolescente (Michael Cera) se enfrentar literal y figurativamente a los exnovios de la chica de sus sueños, Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead), mientras vive en un mundo lleno de referencias a los videojuegos y cultura pop de 1980 y 1990.

Kendrick interpreta a Stacey Pilgrim, la hermana del protagonista e innegable confidente.  Un personaje que, de haber sido interpretado por otra actriz, no sería más que otro cliché unidimensional.

Vela si te gustó: No hay comparación, simplemente hay que verla.

50/50 (2011) Jonathan Levine

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Película que presenta la vida de Adam (Joseph Gordon-Levitt), un chico que se entera que tiene cáncer y el viaje personal en el que se embarca para confrontar las diferentes formas en las que él y la sociedad entienden y representan a dicha enfermedad en la actualidad.

Anna es Katherine, la psicóloga de Adam que le ayuda a enfrentarse a la realidad que vive mientras tiene que lidiar con sus propios problemas. De todas las actuaciones de la actriz, creo que es de las más simples, pero también una de las más sinceras.

Vela si te gustó: Miss You Already The Bucket List.

The Voices (2014) Marjane Satrapi

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De todas las películas del listado, sin duda es la más extraña. Cuenta la historia de Jerry (Ryan Reynolds) un empleado de una fábrica de tinas que sufre de alucinaciones manifestadas como voces en sus mascotas. Alucinaciones que terminan provocando que asesine a Fiona (Gemma Arterton), la chica de la que se encontraba enamorado.

En este filme, Kendrick interpreta a Lisa, una de sus compañeras de trabajo y amiga de Fiona, que termina por convertirse en una cabeza más en su refrigerador. Con este personaje, la actriz muestra lo bien que se adapta a una comedia inteligente y surreal y lo lejos que es capaz de llegar cuando se trata de comprometerse con la historia.

Vela si te gustó: Filth o Shutter Island.

¿Qué te pareció? ¿Tienes otras películas de Anna Kendrick que te gustaría compartir? No olviden dejar sus comentarios y ¡disfruten del binge-watching!

 

 

 

The Disaster Movie problem: Women using scrubs.

Ah, Disaster Movies, those awe-inspiring films that can put their audiences to live all sorts of sceneries around the  inevitable apocalypse, the dreadful consequences of superpopulation, and the possible obliteration of human race.  They are also known as the stories that has and stil have been constantly exploiting  the already worned out trope of women as carers.

It doesn’t matter if Godzilla is threatening to destroy an entire city, an alien race is on the verge of wiping out the whole human race of existence or a new ice age is on its way of freezing the entire planet, women will always be those concerned human beings that will stay behind (and even sacrifice their lives) to take care  of all the helpless people that can’t take care of themselves, waiting for their ultimate demise.

This superficial representation of women in cinema is nothing new. The selfless mother trope exists since the Golde Age of Hollywood, when woman (specially mothers) where portrayed as those people that transformed their households into waiting sanctuaries, waiting for their families to finally arrive in order to help them to fulfill their only mission in life (and on the movie): be there for everyone. In México’s golden age of cinema, the selfless mothers where often compared with clocks.

Apparently, even after all these years of progress in female representation on cinema, women’s intrinsic and sole effective attitude to deal with the unstoppable planet’s destruction is still to take care of their loved ones until the very end. Such characters as Kate (Amanda Peet) on 2012, Sarah (Leelee Sobieski) on Deep Impact or even Jasmine (Vivica A. Fox) on Independence Day are clear depictions of this idea.

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Films nowadays seem to kind-of know that, though. So, in order to create a somewhat adequate depiction of their martir selfless  women, Disaster Movies have gifted us with their ultimate solution to solve this one-note character problem: the Doctor/Nurse women!

Ah yes, the Doctor/Nurse women are those concerned characters that will stay behind (and even sacrifice their lives) to take care of all the helpless people that can’t take care of themselves, waiting for their ultimate demise, but wearing scrubs!

Godzilla gave us Elizabeth Olsen’s nurse, Elle Brody, The Day After Tomorrow presented us Sela Ward’s Doctor, Lucy Hall  and even Independence Day: Resurgence outsmarted itself by promoting Vivica A. Fox’s selfless character, Jasmine Dubrow, into a Doctor before (SPOILERS) killing her off at the movie’s beginning.

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These carers are in charge of the weak and innocent  people that are left behind when the catastrophe strikes. Lucy Hall stayed behind to take care of her (woman) patient at the hospital while a new ice age was happening around them, Jasmine Dubrow sacrificed herself to help her very pregnant patient to get into a helicopter before the hospital  they’re in was destroyed, and Elle Brody evaquated the premises she’s attending before running to look after her son while Godzilla is destroying the whole city.

This particular type of characters, such as the woman doctor, the woman nurse and the selfless mother, have always  worked as the perfect analogy of the womb: Life taking care of life. These women changed their aprons for scrubs and moved their homes to the hospitals. They are the carers in charge of the ill, the helpless and the innocent. They are in charge of the next generation.

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Don’t get me wrong, I think is fantastic that these women are drawn as professional individuals and not one-dimensional clichés whose only motive is to wait for their husbands to come back home alive and well. But, if you are a film director/producer/writer, the least you can do is to give them agency and purpose. Make them  well-thought and fleshed out characters, with a full arc, equated enough with their male counterparts.

Everything is not lost, though. Not all Disaster Movies are trapped in the selfless carer vortex of tropes and clichés . Films like San Andreas and Cloverfiled succesfully have created well-constructed characters like Emma (Carla Gugino), Marlena (Lizzy Caplan) or Lily (Jessica Lucas). Strong women, with particular backgrounds, agency and motives, looking for survival  outside their homes and hospitals and into the apocalypse.

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