Neon lights: the illumination of adolescence in movies

The loss of inocence and the “Coming of age” stories are one of the most used trope often depicted by Hollywood on the mainstream cinema. It’s not uncommon to find movies that circle around that specific moment on every teen life when they transition from being an innocent child to become an empowered adolescent.

Being such a significant time in someone’s life, this rite of passagehas  a lot of symbolisms embedded right into its core. Symbols that some movies like to represent in numerous ways, like with a loss of virginity, or with a big, introspective and literal journey across the country, or even with a Prom dance. You see, the coming of age is something inevitable and very profitable for Hollywood, and this year wasn’t the exception.

From a handful of movies that premiered in 2016, I think that three of them really stand out from the others: The Neon Demon, Nerve  and The Closet Monster, not only because I consider them to be actually  good or because I’m pretty sure they harnessed excelent narrative techniques to tell their story, but mostly because their deep understanding  on adolescence and the transition through this rite of passage.


Of course, each one of them treats different and interesting subjects. Whereas The Neon Demon made a strong argument against the beauty culture, Nerve tried to talk about the dangers of technology and Closet Monster stood against homophobia. But they also depicted certain elements of the coming of age very similarily: using neon lights as a narrative and symbolic tool to reference it.

All of three of them have an innocent character living on a bubble as a protagonist. It isn’t until later when they have to face reality when the loss of innocence happens, along with the appearence of perfunctory neon lights on the scene as a part of their environment to aknowledge it.

The Neon Demon presents the perfect epitome of innocence and virginity with Jesse (Elle Fanning), a young model from a small town  navigating through the difficulties and superficialites of Los Angeles. When we first met her, we see a teen struggling to cope with the reality she is living in while trying to accomplish her dream in order to succeed on the beauty bussiness.

Nerve has the incorrupted Vee (Emma Roberts) as its protagonist. An A-grade student looking  for some emotion that can help her to break free from the routine she has put herself into for the last years, trying to be the perfect girl she always imagine would be whilst making an effort to get the attention from the boy she is in love with.

Finally, Closet Monster introduced us to Oscar (Connor Jessup), a guy who has always lived under the shadow of his homophobic dad, that is trying to understand what his role in the world is and where does he fits in it.

They, like every other teen in the world, are looking for meaning  and substance in their lives. The three of them are facing adulthood like fishes out of water: navigating through a sea of emotions and insecurities, but with a lot of curiosity to push them forward.

The Neon Demon is, by far, the most blunt approach to adolescence by using neon lights as a device to understand the coming of age experience. Its director even blatantly compares this blossom in life with a demon transformation. The more Jesse becomes part of this “adult” world, the more demonized her look and her attitude is. She surrounds herself with neon lights with each step she takes ahead.


Jesse’s first confrontation with her own beliefs -a very innocent ones, I must say- happens when Ruby (Jena Malone), one of the makeup artist she works with, takes her to meet another models to a party. There, she realizes what really she is getting herself into, when the girls start to criticize her. From the very beginning of the movie, she feels overwhelmed but decided to triumph on that city that constantly puts beauty and lust before humanity. Of course, the scene ends with Jesse watching with an offish glare a model show surrounded by neon lights.

But its not until her first runway when she fully embraces her demon-ness . As the industry begins to consume her inner light, she slowly starts to feel that she belongs there. She feels empowered and purposeful to be the best model in town, and she doesn’t care about anything or anyone. This realization comes along with a  beautiful scene where Jesse watchs her reflection looking right at her in fully neon lights.


Nerve, on the other hand,  approaches to teen angst and insecurity by tackling it with technology obsession. Vee it’s the typical adolescent looking for an adventure and a change of routine. This, of course, appears in form of a daring app that challenge its users to do risky things in change for money and a bunch of memories to gloat over.

Vee’s curiosity comes across like something natural and organic as all her classmates are experiencing the same feelings of excitement of using the app. At the beginning of the movie she is often surrounded by dim lights and obscure environments, but when she’s ready to accept her first challenge, the illumination changes.

As she enters a restaurant to kiss a stranger, the neon lights that decorate the place begin to shine. In fact, each and every one of the dares  that Vee and Ian (Dave Franco) perform, are surrounded by bright neon lights, getting brighter and brighter as the challenges increase their difficulty.


To Nerve the coming of age means not only to embarce and confront your worst fears, but to live through them and not under the shadow they could cast above your life. Curiosity is, after all, the fire that ignites the neon lights of adolescence.

Closet Monster reflects a lot upon acceptance and sexuality on teenage years. Oscar has always known that something is off in his life, that something’s missing. Living with a homophobic dad and with the awful idea of an absent mom is not easy for him. All of the scenes with his dad are surrounded by opaque illumination that casts a shadow on both of them.

It isn’t until he meets Wilder (Aliocha Schneider) when his surroundings start to change. As Oscar begins to accept his inner thoughts, his character commences to walk through bright places, and when he is finally ready to accept who he is and confess his love to his friend, the neon lights appear in form of party decorations. This type illumination is, after all, the representation of his desires.


If this odd cinematographic technique has something to teach us, is that, in order to turn on the neon lights that could surround our life, we need to be in contact with oneself and one’s needs. If we want to achieve our goal of moving from childhood to adolescence, we must embrace curiosity to outgrow our self-imposed limits.

Arrival y el poder de la agencia sobre la narrativa

Piensa en un filme (el que quieras) en particular, ahora imagina las partes que la conforman, ¿Cuál de ellas es el vehículo motor? ¿Qué es lo que ayuda a que la película avance y llegue a donde necesita llegar? Si pensaste en la narrativa estás en lo correcto, pero si también te pasaron por la mente los personajes también estás en lo correcto. Un filme necesita de personajes y narrativa coherente para avanzar y llegar a algún lado.

Ahora, piensa de nuevo en cualquier película y dime ¿Es la narrativa la que controla a los personajes o los personajes a la narrativa? ¿Los personajes tienen algún nivel de influencia en su toma de decisiones o esto es designado por la misma narrativa? Si nos pusiéramos a pensar en un sentido literal y técnico es la narrativa siempre la que lleva la batuta cuando de avanzar una historia se trata y los personajes giran y actúan gracias y en consecuencia a ella.

En una historia común, la narrativa llevará a sus personajes de un punto A a un punto B. Este modo de entender y construir una película es el básico, el que la mayor parte de los involucrados en ella toman como base y el que delimita los alcances de la misma. Es una fórmula sencilla de seguir y muy efectiva.

El verdadero problema de aprovecharse de esta fórmula radica en la misma sencillez. Al contar con un método tan sencillo a seguir, Hollywood ha caído en la desgracia de seguir creando historias formulaicas y poco innovadoras, donde no hay cabida para la diferencia y la coherencia narrativa.

¿Cuántas veces no te has encontrado con historias donde los personajes toman decisiones importantes sin una razón coherente de fondo más que porque la narrativa así lo requiere? ¿Cuántos personajes se han perdido en el entramaje de su propia historia al ser despojados de agencia  para funcionar solamente como meros reaccionarios de la narrativa?

Todas estas preguntas me vinieron a la mente después de ver la nueva película de Denis Villeneuve, Arrival. Una revolucionaria historia que usa el Sci-Fi para entender la complejidad humana y el propio entendimiento de la misma. En ella, conocemos a la Doctora Louise Banks (Amy Adams), una lingüista seleccionada para liderar un equipo de especialistas encargado de averiguar la razón por la que 12 naves extraterrestres aterrizaron en diferentes puntos del planeta.


Alerta de spoiler. Después de este párrafo se hablará de la película en su totalidad, incluyendo el giro final y las repercusiones del mismo. Si no la has visto, no sigas leyendo.

En Arrival la narrativa juega un papel crucial. No solo funge como el motor que mueve a la historia hacia adelante, sino que también le brinda agencia y poder de decisión a sus personajes, permitiendo que actúen y vivan a partir de ellas y no gracias a ellas. Algo que no había visto en una película desde hace mucho tiempo.

La película inicia mostrándonos la vida de Louise con su hija. En una serie de imágenes podemos ver a una madre e hija disfrutando de su tiempo juntas antes del inevitable fin, donde la joven muere abruptamente debido a una enfermedad fatal.  La secuencia es corta y devastadora.  Gracias a la narrativa, y la forma en que está organizada, el filme nos da  a entender que esto sucede antes de la llegada de las naves espaciales.

Al momento que la Doctora Banks comienza a tener contacto con los llamados Heptápodos, ella empieza a ver esos mismos momentos con su hija y no entiende porqué. Sin darles mucha importancia, decide dejarlos pasar.

Gracias a una serie de toma de decisiones, y mucho más adelante en el fime, Louise se percata que los extraterrestres no están en la tierra para causar daño, sino todo lo contrario. Ellos ofrecen la habilidad de poder ver la vida de un ser humano tanto hacia el pasado como al futuro. Una vez más, la narrativa toma protagonismo y nos damos cuenta que lo sucedido con su hija no forma parte de su pasado, sino de su futuro. Aún con toda esa información ella decide seguir su camino y vemos cómo se casa y tiene a su hija más adelante, en el futuro.

Amy Adams plays linguist Louise Banks in Arrival

Arrival confía tanto en la estructuración y perfilación de sus personajes que es capaz de darles la voluntad y agencia suficiente para tomar las decisiones que sean necesarias para justificar sus actos.

A diferencia de otras películas, el filme no necesita explicar las decisiones que sus personajes toman con la narrativa, sino todo lo contrario, cada individuo es dueño de su propia historia y, por lo tanto, es capaz de tomar sus  propias decisiones para darle sentido a la narrativa. En esencia, esta historia está hecha para llegar a este punto, a esa encrucijada donde un individuo con agencia tiene que tomar una decisión de vital importancia.

Louise sabe las consecuencias e implicaciones que podrían tener sus actos, pero aún así, decide vivir todo de nuevo. Para ella, lo importante no es el destino, sino el viaje y está dispuesta a sacrificar su felicidad por ello.

En cierto modo, Arrival establece un argumento haciendo uso de una doble hermenéutica: El arte y la vida real no tiene muchas diferencias, así como nosotros no debemos dejar nuestras decisiones en manos del destino, la mejor forma de contar una historia es siempre dándole agencia y poder de decisión a sus personajes en lugar de justificarlos con el peso de la narrativa.