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Lo mejor del 2014 en cine

Me gustaría comenzar una temporada de entradas que se centren en destacar lo mejor (que he visto) en cuanto a entretenimiento en el 2014. Por ello, y en función de mi predilección, comenzaré con la relacionada con el cine.

Como lo he mencionado antes, el 2014 fue un gran año para el cine. Si hay algo que lo distingue de los demás es la versatilidad y diversidad de historias. Pudimos encontrarnos con aventuras épicas en el espacio, en un pequeño hotel en Europa,  en las habitaciones de familias modelo, personajes entrañables con delirio de grandeza,  extraterrestres seductoras en busca de su próxima víctima y parejas al borde de el colapso.

Cabe aclarar que películas aclamadas por la crítica como ‘Boyhood’, ‘Obvious Child’ y ‘The Double’ no quedaron en esta lista porque no las he podido ver. Sin embargo, estoy seguro que habrían estado en los primeros lugares.

Entonces, sin más, comencemos con el conteo.

10) Guardians Of The Galaxy (James Gunn)

Sin duda, la última adaptación de Marvel al cien fue una grata sorpresa para mí. Fui a verla sin saber nada sobre ella más que Andy (de Parks And Recreation) era el protagonista y, por ello, había bajado tanto de peso.

La historia me parece que es muy similar al filme de The Avengers (de la misma compañía) sin embargo, el conjunto de personajes en esta película me pareció mucho más ingeniosa y divertida. Pero, sobre todas estas cosas, lo que más me pareció interesante es la excelente forma de llevar una historia así al espacio, sin caer en la caricatura ni la ridiculez excesiva.

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09) Relatos Salvajes (Damián Szifrón)

Este es uno de los mejores ejemplos de película en los que entro a la sala sin esperar nada y salgo de ella fascinado. Sin duda, esta propuesta fílmica Argentina fue otra de mis grandes sorpresas del año.

Relatos Salvajes se conforma por pequeñas historias que giran alrededor de un grupo de individuos que son llevados al límite e, inevitablemente, terminan por perder los estribos. cada una de ellas se distingue por su impecable fotografía e hilarante humor negro.

Mis favoritas: Pasternark, Bombita y Hasta Que La Muerte Nos Separe.

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08)  Snowpiercer (Bong Joon-ho)

Una verdadera joya de la ciencia ficción de este año. No sólo por las increíbles actuaciones de Chris Evans y Tilda Swinton (una increíble y despiadada ‘cuidadora de la paz’ que raya en lo ridículo) sino por la propuesta de una historia diferente que brinda elementos nuevos al contexto cinematográfico.

En el filme, se muestra un futuro apocalíptico donde todo el planeta se encuentra hundido en una era glaciar y lo único que queda de la raza humana vive en un tren que lo recorre por completo. Cabe destacar que toda la acción sucede dentro de un tren y sus enormes carros, dando una sensación de claustrofobia perfecta para ambientar la historia. Sin duda, muy recomendable.

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07) Interstellar (Cristopher Nolan)

Una de las películas más esperadas del año y que, sin duda, supo cumplir con su cometido de presentar una historia de ciencia ficción innovadora y muy entretenida. En él vemos como Cooper y un grupo de astronautas se embarcan al espacio, y a través de un hoyo negro, en busca de otro planeta para que la raza humana pueda habitar.

Por supuesto que, como cualquier otro filme de Nolan, esta película cuenta con giros de tuerca inesperados (y esperados a la vez) que, por lo que he visto,  provocan cierto disgusto entre los espectadores al momento de resolver los nudos de la historia. Algo que, personalmente, me parece ingenioso.

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06) Gone Girl (David Fincher)

Desde que me enteré que una de mis novelas favoritas de Gillian Flynn iba a ser adaptada al cine por David Fincher supe que iba a ser una película que valdría la pena ver y, afortunadamente, no estaba equivocado. En ella, nos encontramos frente a la desaparición de Amy Dunne y la (posible) culpabilidad de su esposo Nick Dunne.

La adaptación es soberbia, las actuaciones increíbles y el ritmo de la historia impresionante. Una de las cosas que más me llamaron la atención fue la inteligente crítica (reflejada íntegramente en el libro) hacia los medios de comunicación estadounidenses y la complicada batalla de géneros que se vive en la actualidad.

GONE GIRL, from left: Ben Affleck, Rosamund Pike, 2014. ph: Merrick Morton/TM & copyright ©20th

05) Under The Skin (Jonathan Glazer)

Otra gran sorpresa de ciencia ficción de este año. Una extraterrestre (personificada por la maravillosa Scarlett Johansson) tiene la tarea de reclutar hombres y llevarlos a su hogar, donde son despojados de su piel y asesinados al instante.

El filme cuenta con una perfecta combinación entre historia oscura e introspección y que, gracias a ello, suscita las preguntas más básicas del ser humano sobre quiénes somos y cuál es nuestro propósito de existir. Sin duda, una de mis propuestas innovadoras favorita del año.

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04) Nymphomaniac (Lars von Trier)

Lars von Trier y su filmografía han estado presentes en los últimos 10 años de vida (sobre todo porque hice mi tesis con Dogville) y siempre que estrena una película nueva logra sorprenderme y dejarme con un buen sabor de boca.

Sus historias son cautivantes, los personajes profundos, la música hermosa y la fotografía extraordinaria. Nymphomaniac no se queda atrás con ninguna de estas características. Creo que nunca había visto un filme donde el acto sexual fuera retratado de una forma tan explícita y hermosa a la vez.

Ciertamente, no es la mejor de sus películas pero sí una de las más digeribles y menos pesadas. las analogías y simbolismos son de lo más sublimes.

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03) Birdman (Alejandro González Iñárritu)

Personalmente nunca he sido muy fan del cine de Iñárritu. Reconozco que su trilogía de ‘Amores Perros’, ’21 Gramos’ y ‘Babel’ es muy interesante pero no de mis favoritas. Sin embargo, con ‘Birdman’ recibí una bofetada con guante blanco.

Iñárritu nos presenta a Riggan, un actor olvidado que intenta regresar a la mente de las audiencias al adaptar uno de sus libros favoritos de la infancia y, en el camino, volverse relevante de nuevo.

En Birdman nos encontramos con todos los miedos con los que cualquier persona se ha enfrentado alguna vez: el temor a no ser relevante, el olvido, la soledad, la locura, la falta de independencia y el miedo a ser libre.

Cabe destacar la actuación de Emma Stone que se perfila para a ser la inevitable ganadora en la temporada de premios que está por comenzar.

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02) Lucy (Luc Besson)

Es la única película con la que he salido del cine sin habla, pasmado e impresionado. La última historia del director francés se volca en Lucy, retratada por Scarlett Johansson (¡el año de Scarlett!), una mujer que logra utilizar toda su capacidad cerebral después que una bolsa de droga le revienta dentro del estómago.

Lo que en un principio pintaba para ser un simple filme sobre una mujer con superpoderes terminó por convertirse en un discurso metafísico que busca responder, y justificar, la existencia del propio ser humano y el destino que cada uno traza en sus propias vidas.

Imperdible.

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01) The Grand Budapest Hotel (Wes Anderson)

Guión impecable. Personajes espectaculares. Fotografía sublime.

The Grand Budapest Hotel es un thriller donde Wes Anderson nos habla de todo y de nada a la vez. Es una historia donde sucede de todo y que, sin embargo, no se siente que haya pasado nada. Es el caballo de Troya cinematográfico del año. Ni más ni menos.

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Birdman (o La inesperada virtud de ser una persona libre)

Ayer fui a ver la nueva película de Alejandro G. Iñárritu, ‘Birdman’, y salí del cine pasmado. No sólo porque goza de un cast tan versátil y capaz de sacar adelante una historia tan estructurada ésta, sino también por contar con uno de los finales más satisfactorios y sólidos que hace mucho no veía en un filme.

‘Birdman’ retrata la vida de Riggan Thomson, un actor olvidado por la industria que busca desesperadamente volver a ser relevante -y reconocido- con la adaptación, dirección y actuación, de una obra de teatro importante significado en su vida.

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El tema de la relevancia es circular y permanente en toda la película. Riggan constantemente trata de convencer a los demás -y así mismo- de que es una persona que vale la pena ponerle atención, pero al mismo tiempo, cae en el juego de tortura psicológica donde nadie duda más en eso que él mismo. Algo que me recordó muchísimo a una película (igual de magnífica) del año pasado: Blue Jasmine, de Woody Allen.

Tanto Jasmine como Riggan son individuos que lograron llegar a la cima y perdieron todo en el camino. Ambos buscaban ser reconocidos, famosos, y relevantes. Para Jasmine su relevancia radicaba en tener una vida llena de lujos y vida social; para Riggan significaba ser una estrella de Hollywood relevante y reconocida.

Para los dos, su peor momento sucede cuando pierden toda credibilidad ante la sociedad y comienzan a ser caricaturas de lo que alguna vez fueron, simples ecos que transitan por la vida esperando alcanzar ese segundo aire que aseguran que la vida les tiene prometido.

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Y, de alguna forma, lo logran: Jasmine conoce a otro hombre que le proporciona esa vida de lujo que tanto anhela. Riggan monta una obra en la que invierte todo su dinero y tiempo para volver a ser reconocido.

Pero no es sino hasta el final cuando los ecos directos entre ambas películas chocan. No pienso spoilear lo que, en mi caso, fue el momento más mágico de toda la película pero sí puedo asegurar que la cosa no termina bien.

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En ambas películas, los protagonistas le hacen honor a las etiquetas simbólicas que los directores depositan en ellos. Jasmine  busca, a como de lugar, ser la flor más hermosa del campo de la misma forma que Riggan espera volar tan alto como el personaje que tanto le dio la fama. Los dos esperan ser libres al mismo tiempo que necesitan de la validez de los demás para lograrlo.

Para mí, ‘Bridman’ es un balance perfecto entre argumentos sólidos y mensajes claros. En el mundo de Riggan está presente la sociedad que juzga y etiqueta, el torturador que todos llevamos dentro, los medios que critican y la inestabilidad emocional del ser humano. Pero, sobretodo, es tan recalcitrante el tema de la libertad que da entrada a una relevancia tan poderosa y potente capaz de emocionar a cualquiera.

Si lo que Riggan Thomson quería era ser relevante, con ‘Birdman’ lo logró con creces.

La continua competencia entre la ciencia y la ficción.

Una de las grandes ventajas del cine es la capacidad de asombro que puede generar en las audiencias. Para bien o para mal, la mayoría de nosotros va a ver una película para transportarse a mundos -e historias- que se encuentran fuera de su propia realidad y, como tal, se permite así mismo creer que todo lo que está viendo es posible.

Como espectadores nos volvemos parte de la ficción que está frente a nosotros, aceptando las reglas que se plantean desde un inicio y participando en las dinámicas narrativas que estructuran el discurso.

De ese modo podemos creer que existen fábricas con ríos de chocolate, de la misma manera en que podemos imaginar  que un asesino que se dedica a asesinarte en tus sueños es plausible. Los espectadores nos convertimos en repositorios de la imaginación y la creatividad, al mismo tiempo que somos móviles de mensajes específicos.

Sin embargo, cuando la ficción se mezcla con la ciencia (o Ciencia Ficción) se nos dificulta mucho separar uno del otro y, como individuos lógicos, buscamos encontrar sentido -y pruebas contundentes- en historias hipotéticas.

Según la página www.readwritethink.org, la Ciencia Ficción “es un género donde las historias, usualmente, hablan de ciencia y tecnología en el futuro” y agrega que “es importante notar que la Ciencia Ficción tiene una relación con los principios de la ciencia y que, al mismo tiempo, involucra teorías y leyes básicas de la misma”.

Como podemos ver, dicho género no se distancia de cualquier otro en la ficción. La diferencia importante es el uso de la tecnología, y la ciencia, como móviles prácticos para contar una historia que, como tal, configura el principal obstáculo que colocamos antes de ver una película -o serie- de Ciencia Ficción.

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Con la Ciencia Ficción nos situamos, como espectadores, en la dicotomía de ficción/realidad e imaginación/razón desde un principio y buscamos que la historia tenga coherencia total. Las teorías que nos presentan deben ser sustentadas a la perfección y la ciencia debe tener su base teórica que la mantenga a flote. Lo cual nos imposibilita disfrutar de una historia.

En este género se coloca en una constante competencia a la ficción con la ciencia. A la ficción se le exige que sea igual de fidedigna, y real, que las teorías científicas que estructuran a la película. A la ciencia se le pide que sustente toda acción detrás de la ficción.

¿Cómo creer que es posible el viaje a través de un agujero negro en ‘Interstellar’ si al final (SPOILER) el personaje de Matthew Mcgonaughey termina dentro de uno en una biblioteca de cuatro dimensiones comunicándose con su hija? ¿De qué forma entender el viaje por la órbita de la tierra de Sandra Bullock en ‘Gravity’ si uno de sus desplazamientos es gracias a un extintor?

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Si la imaginación estuviera tan peleada con la razón sería mucho más difícil crear nuevas teorías científicas. Si la ficción no fuera parte intrínseca de la realidad no podríamos contar con la ambición suficiente para voltear a ver a las estrellas y querer conocer más allá de nuestro propia realidad.

Eso es lo emocionante de la ambivalencia perfecta entre la ciencia y la ficción, la posibilidad de entender los viajes a través del espacio, y el tiempo, como caminos introspectivos en la mente de cada individuo y la ambición de la raza humana por ver más allá de las estrellas.

Por supuesto que debemos exigir coherencia narrativa y sentido lógico en los supuestos teóricos que sustentan a una historia. Claro que tenemos el deber de argumentar y colocarnos en una posición ante una idea. Sin embargo, no debemos caer en la soberbia de hacer competir a la ciencia con la tecnología cuando pueden funcionar juntas si se les da la oportunidad.

Como espectadores, tenemos el poder de exigir historias inteligentes que nos permitan disfrutar de mundos distantes, y personajes extraordinarios, al mismo tiempo que nos reten a entender teorías científicas que sustenten la posibilidad de viajes maravillosos.

Magic in the Moonlight: en el límite de las comedias románticas y la narrativa simplista.

Desde hace (casi) cincuenta años, Woody Allen nos ha deleitado -año tras año- con historias maravillosas y otras no (tan) maravillosas que nos hablado de los problemas de la modernidad, las relaciones en pareja y la crisis de los individuos por encontrar su propia identidad.

Este año, el cineasta no se queda atrás y nos presenta su último filme: Magic in the Moonlight. En ella vemos cómo un mago inglés, llamado Stanley, busca desenmascarar a Sophie, una  espiritista estadounidense que parece que sus únicos motivos son estafar a las familias ingenuas y acaudaladas.

Cabe destacar la actuación de Emma Stone como Sophie, la espiritista ingenua que parece no esconder ningún tipo de secreto. Personaje que me sorprendió gratamente por el tratamiento tan respetuoso y adecuado que la actriz le imprime y la forma tan única que usa para desarrollarse en una historia que busca evidenciarla desde el principio.

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Algo que me gustó mucho de esta nueva entrega de Allen es el argumento predominante en toda la película: la contraposición tan fuerte en la que la ciencia y la religión se encuentran posicionadas en la mente de las personas y la enorme influencia que cada una de ellas figura en el pensamiento de cada individuo.

De esa forma, y muy a su estilo, muestra los extremos de cada corriente de pensamiento: Por un lado están los creyentes que dedican su vida a buscar la felicidad en elementos que están más allá de su entendimiento terrenal. Por otro, están los escépticos que dedican su vida a comprobar teorías gracias a objetos tangibles y hechos reales.

Debo agregar que concuerdo con el director cuando argumenta que los seres humanos no deberíamos necesitar de elementos imposibles de comprender para encontrar la felicidad cuando las podemos ver en las pequeñas cosas de la vida. Sin embargo, difiero enormemente en la manera en que la narrativa le hace justicia a esta idea. Y ese creo que es el mayor problema de esta película: su narrativa.

SPOILERS

De entrada, el personaje de Colin Firth (Stanley) se nos es presentado como un individuo que es escéptico de la cabeza a los pies; es un mago que está seguro que todo evento y circunstancia de la vida tiene una razón de existir y que la raza humana no debería depender de un destino trazado por un ser superior a nosotros.

Sin embargo, todo esto que lo distingue como personaje construido se desvanece al momento en el que el personaje de Emma Stone (Sophie) le demuestra lo contrario, gracias a una serie de eventos aislados,-y sin mucho fundamento- que lo ponen en un predicamento con su propia corriente de pensamiento e, incluso, su forma de ver la vida.

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Me parece ilógico que una persona tan recalcitrante y sujeta a su pensamiento (determinante para toda acción en su vida personal y profesional)  cambie de opinión -desde la raíz- tan fácilmente sin antes cuestionar los propios métodos con los que la espiritista hace gala continuamente. Por lo que me resulta muy poco plausible que un personaje tan bien construido como el de Stanley cambie todo su M.O. a la mitad de la película y decida actuar de forma contraria a lo que lleva toda su vida predicando.

Lo que parecería apuntar a ser un  ‘character development’ interesante termina por convertirse en un enorme fallo en el tratamiento del personaje desde el guión, la narrativa y el tiempo de exposición del personaje.

FIN DE SPOILER

Lo que me lleva al que me pareció otro punto en contra de la película: el tiempo. Todo sucede tan rápido -y sin detalles importantes- que nos es imposible, como audiencia, identificarnos con las circunstancias en la que los protagonistas se encuentran. Los personajes van caminando tan deprisa que los eventos se desenvuelven de forma forzada y sin mucho sentido, dejando de lado la cadencia que se necesita para entender el ‘character development’ que sugiere la película.

De esta forma, el argumento principal de la película se funde en un revoltijo de ideas y situaciones que terminan por confundir a la audiencia. Lo que comienza como una historia de matices profundos termina por ser una comedia romántica (a la Woody Allen) cuyos principales conflictos son resueltos en contra del tiempo y de la manera más forzada posible.

Sería un error de mi parte intentar comparar esta película con su predecesora Blue Jasmine. Sin embargo, Woody, al dejar la vara tan alta con una historia tan completa, y bien construida como lo fue la historia de Jasmine, nos queda debiendo una propuesta novedosa que pintaba a ser inteligente -y bien planteada- y no una simple comedia romántica.

 

Los tres Méxicos de la cartelera actual.

Con la cartelera actual en los cines mexicanos, resulta paradigmático ver los contrastes tan grandes que existen entre la realidad y la ficción mexicana.

Mientras, por una parte,  la gente sale a las calles para exigir una re-presentación -o imagen propia de cada sujeto- justa de su realidad social, en la cartelera de los cines de cualquier ciudad del país se pueden encontrar diferentes representaciones -o discursos que hablan por nosotros-, pero de algún modo entrelazados, en México: La política y el poder (en La Dictadura Perfecta), la ‘mexicanidad’  (en La Hija de Moctezuma)  y el folclor (en El Libro De La Vida).

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Si bien estas películas cuentan con un manifiesto propio del director, cada una de ellas son también reflejos – y representaciones- muy vagos del contexto que se vive actualmente en el país. Me gustaría pensar que se trata de una mera coincidencia que dichos filmes hayan sido estrenados con tan poca diferencia en las salas de cine, sin embargo -como ejercicio imaginativo- estos tres discursos ayudan a pensar en un México Otro.

Un México en el que la India María no es solamente un estereotipo que raya en la mofa. Un México donde las tradiciones -y el folclor-propias del país no son mercantilizadas como capital económico de nuestra cultura. Un México donde los medios no tienen la capacidad y agencia de manipular los sucesos importantes.

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Si bien, cada uno de los filmes goza con elementos narrativos interesantes, me parece que se quedan cortos en cuanto al mensaje que buscan transmitir y, en su lugar, acuden a herramientas muy gastadas para presentar ecos de nuestra cultura.

Con ello no pretendo satanizar la creación de discursos como los antes mencionados. Al contrario, me parece muy rico contar con diferentes perspectivas de lo que significa ser -o no ser- mexicano. Resulta atractivo el hecho de poder gozar de tres perspectivas paradigmáticas de nuestro país y, sin duda, es emocionante  realizar ejercicios imaginativos como los que mencioné anteriormente.

Sin embargo, hay que entender a estos discursos como herramientas narrativas que pueden actuar como armas de doble filo. A filmes como La Dictadura Perfecta, La Hija De Moctezuma y El Libro De La Vida hay que verlos con una mirada muy objetiva, ya que cada uno de ellos muestra características únicas de diferentes aspectos de México que -si bien- no significan un gran aporte ni una visión cuidadosa del contexto que re-presentan, permite identificar lo propio del individuo en esos mismos huecos.

Por ello, no es necesario identificarnos con el personaje de la India María para poder entender los aspectos del arquetipo que nos representan y los que se distancian de nosotros. Tampoco necesitamos ver al Día de Muertos como una historia de Disney para entender la importancia que tiene en nuestras raíces y el impacto que genera en nuestras acciones. De la misma forma que no debemos dejarnos llevar por los fuertes golpes narrativos que Carmelo Vargas manifiesta contra la integridad de los ciudadanos para sentirnos aludidos por la corrupción que existe en el país.

Personalmente, me da gusto poder encontrar discursos con los que pueda -por medio de lazos simbólicos entre unos y otros-  encontrarme como aquel individuo que vive en un contexto específico, con características sociopolíticas específicas y raíces únicas,  como el de nuestro país.

En un mundo donde los discursos son tan maleables, y los filtros de información actúan con tanta facilidad, resulta enriquecedor encontrar  en los huecos -y aportes narrativos- las diferentes historias que se nos cuentan -y que deciden omitir- a las audiencias hoy día.

Ahí es donde reside la perspectiva objetiva de este ejercicio, en la capacidad de entender las herramientas que trabajan en dicha representación y los estragos que actúan en la propia re-presentación. De esa forma, depende enteramente de nosotros lo que decidamos hacer con esa información.