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Neon lights: the illumination of adolescence in movies

The loss of inocence and the “Coming of age” stories are one of the most used trope often depicted by Hollywood on the mainstream cinema. It’s not uncommon to find movies that circle around that specific moment on every teen life when they transition from being an innocent child to become an empowered adolescent.

Being such a significant time in someone’s life, this rite of passagehas  a lot of symbolisms embedded right into its core. Symbols that some movies like to represent in numerous ways, like with a loss of virginity, or with a big, introspective and literal journey across the country, or even with a Prom dance. You see, the coming of age is something inevitable and very profitable for Hollywood, and this year wasn’t the exception.

From a handful of movies that premiered in 2016, I think that three of them really stand from the others: The Neon Demon, Nerve  and The Closet Monster, not only because I consider them to be actually  good or because I’m pretty sure they harnessed excelent narrative techniques to tell their story, but mostly because their deep understanding  on adolescence and the transition through this rite of passage.


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Of course, each one of them treats different and interesting subjects. Whereas The Neon Demon made a strong argument against the beauty culture, Nerve tried to talk about the dangers of technology and Closet Monster stood against homophobia. But they also depicted certain elements of the coming of age very similarily: using neon lights as a narrative and symbolic tool to reference it.

All of three of them have an innocent character living on a bubble as a protagonist. It isn’t until later when they have to face reality when the loss of innocence happens, along with the appearence of perfunctory neon lights on the scene as a part of their environment to aknowledge it.

The Neon Demon presents the perfect epitome of innocence and virginity with Jesse (Elle Fanning), a young model from a small town  navigating through the difficulties and superficialites of Los Angeles. When we first met her, we see a teen struggling to cope with the reality she is living in while trying to accomplish her dream in order to succeed on the beauty bussiness.

Nerve has the incorrupted Vee (Emma Roberts) as its protagonist. An A-grade student looking  for some emotion that can help her to break free from the routine she has put herself into for the last years, trying to be the perfect girl she always imagine would be whilst making an effort to get the attention from the boy she is in love with.

Finally, Closet Monster introduced us to Oscar (Connor Jessup), a guy who has always lived under the shadow of his homophobic dad, that is trying to understand what his role in the world is and where does he fits in it.

They, like every other teen in the world, are looking for meaning  and substance in their lives. The three of them are facing adulthood like fishes out of water: navigating through a sea of emotions and insecurities, but with a lot of curiosity to push them forward.

The Neon Demon is, by far, the most blunt approach to adolescence by using neon lights as a device to understand the coming of age experience. Its director even blatantly compares this blossom in life with a demon transformation. The more Jesse becomes part of this “adult” world, the more demonized her look and her attitude is. She surrounds herself with neon lights with each step she takes ahead.

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Jesse’s first confrontation with her own beliefs -a very innocent ones, I must say- happens when Ruby (Jena Malone), one of the makeup artist she works with, takes her to meet another models to a party. There, she realizes what really she is getting herself into, when the girls start to criticize her. From the very beginning, she feels overwhelmed but decided to triumph on that city that constantly puts beauty and lust before humanity. Of course, the scene ends with Jesse watching with an offish glare a model show surrounded by neon lights.

But its not until her first runway when she fully embraces her demon-ness . As the industry begins to consume her inner light, she slowly starts to feel that she belongs there. She feels empowered and purposeful to be the best model in town, and she doesn’t care about anything or anyone. This realization comes along with a  beautiful scene where Jesse watchs her reflection looking right at her in fully neon lights.

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Nerve, on the other hand,  approaches to teen angst and insecurity by tackling it with technology obsession. Vee it’s the typical adolescent looking for an adventure and a change of routine. This, of course, appears in form of a daring app that challenge its users to do risky things in change for money and a bunch of memories to gloat over.

Vee’s curiosity comes across like something natural and organic as all her classmates are experiencing the same feelings and excitement of using the app. At the beginning of the movie, she is often surrounded by dim lights and obscure environments, but when she’s ready to accept her first challenge, the illumination changes.

As she enters a restaurant to kiss a stranger, the neon lights that decorate the place begin to shine. In fact, each and every one of the dares  that Vee and Ian (Dave Franco) perform, are surrounded by bright neon lights, getting brighter and brighter as the challenges increase their difficulty.

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To Nerve the coming of age means not only to embarce and confront your worst fears, but to live through them and not under the shadow they could cast above your life. Curiosity is, after all, the fire that ignites the neon lights of adolescence.

Closet Monster reflects a lot upon acceptance and sexuality on teenage years. Oscar has always known that something is off in his life, that something’s missing. Living with a homophobic dad and with the awful idea of an absent mom is not easy for him. All of the scenes with his dad are surrounded by opaque illumination that casts a shadow on both of them.

It isn’t until he meets Wilder (Aliocha Schneider) when his surroundings start to change. As Oscar begins to accept his inner thoughts, his character commences to walk through bright places, and when he is finally ready to accept who he is and confess his love to his friend, the neon lights appear in form of party decorations. This type illumination is, after all, the representation of his desires.

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If this odd cinematographic technique has something to teach us, is that the key to turn on the neon lights that could surround our life, we need to be in contact with oneself and one’s needs. In order to achieve our goal of moving from childhood to adolescence, we must embrace curiosity to outgrow our self-imposed limits.

Arrival y el poder de la agencia sobre la narrativa

Piensa en un filme (el que quieras) en particular, ahora imagina las partes que la conforman, ¿Cuál de ellas es el vehículo motor? ¿Qué es lo que ayuda a que la película avance y llegue a donde necesita llegar? Si pensaste en la narrativa estás en lo correcto, pero si también te pasaron por la mente los personajes también estás en lo correcto. Un filme necesita de personajes y narrativa coherente para avanzar y llegar a algún lado.

Ahora, piensa de nuevo en cualquier película y dime ¿Es la narrativa la que controla a los personajes o los personajes a la narrativa? ¿Los personajes tienen algún nivel de influencia en su toma de decisiones o esto es designado por la misma narrativa? Si nos pusiéramos a pensar en un sentido literal y técnico es la narrativa siempre la que lleva la batuta cuando de avanzar una historia se trata y los personajes giran y actúan gracias y en consecuencia a ella.

En una historia común, la narrativa llevará a sus personajes de un punto A a un punto B. Este modo de entender y construir una película es el básico, el que la mayor parte de los involucrados en ella toman como base y el que delimita los alcances de la misma. Es una fórmula sencilla de seguir y muy efectiva.

El verdadero problema de aprovecharse de esta fórmula radica en la misma sencillez. Al contar con un método tan sencillo a seguir, Hollywood ha caído en la desgracia de seguir creando historias formulaicas y poco innovadoras, donde no hay cabida para la diferencia y la coherencia narrativa.

¿Cuántas veces no te has encontrado con historias donde los personajes toman decisiones importantes sin una razón coherente de fondo más que porque la narrativa así lo requiere? ¿Cuántos personajes se han perdido en el entramaje de su propia historia al ser despojados de agencia  para funcionar solamente como meros reaccionarios de la narrativa?

Todas estas preguntas me vinieron a la mente después de ver la nueva película de Denis Villeneuve, Arrival. Una revolucionaria historia que usa el Sci-Fi para entender la complejidad humana y el propio entendimiento de la misma. En ella, conocemos a la Doctora Louise Banks (Amy Adams), una lingüista seleccionada para liderar un equipo de especialistas encargado de averiguar la razón por la que 12 naves extraterrestres aterrizaron en diferentes puntos del planeta.

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Alerta de spoiler. Después de este párrafo se hablará de la película en su totalidad, incluyendo el giro final y las repercusiones del mismo. Si no la has visto, no sigas leyendo.

En Arrival la narrativa juega un papel crucial. No solo funge como el motor que mueve a la historia hacia adelante, sino que también le brinda agencia y poder de decisión a sus personajes, permitiendo que actúen y vivan a partir de ellas y no gracias a ellas. Algo que no había visto en una película desde hace mucho tiempo.

La película inicia mostrándonos la vida de Louise con su hija. En una serie de imágenes podemos ver a una madre e hija disfrutando de su tiempo juntas antes del inevitable fin, donde la joven muere abruptamente debido a una enfermedad fatal.  La secuencia es corta y devastadora.  Gracias a la narrativa, y la forma en que está organizada, el filme nos da  a entender que esto sucede antes de la llegada de las naves espaciales.

Al momento que la Doctora Banks comienza a tener contacto con los llamados Heptápodos, ella empieza a ver esos mismos momentos con su hija y no entiende porqué. Sin darles mucha importancia, decide dejarlos pasar.

Gracias a una serie de toma de decisiones, y mucho más adelante en el fime, Louise se percata que los extraterrestres no están en la tierra para causar daño, sino todo lo contrario. Ellos ofrecen la habilidad de poder ver la vida de un ser humano tanto hacia el pasado como al futuro. Una vez más, la narrativa toma protagonismo y nos damos cuenta que lo sucedido con su hija no forma parte de su pasado, sino de su futuro. Aún con toda esa información ella decide seguir su camino y vemos cómo se casa y tiene a su hija más adelante, en el futuro.

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Arrival confía tanto en la estructuración y perfilación de sus personajes que es capaz de darles la voluntad y agencia suficiente para tomar las decisiones que sean necesarias para justificar sus actos.

A diferencia de otras películas, el filme no necesita explicar las decisiones que sus personajes toman con la narrativa, sino todo lo contrario, cada individuo es dueño de su propia historia y, por lo tanto, es capaz de tomar sus  propias decisiones para darle sentido a la narrativa. En esencia, esta historia está hecha para llegar a este punto, a esa encrucijada donde un individuo con agencia tiene que tomar una decisión de vital importancia.

Louise sabe las consecuencias e implicaciones que podrían tener sus actos, pero aún así, decide vivir todo de nuevo. Para ella, lo importante no es el destino, sino el viaje y está dispuesta a sacrificar su felicidad por ello.

En cierto modo, Arrival establece un argumento haciendo uso de una doble hermenéutica: El arte y la vida real no tiene muchas diferencias, así como nosotros no debemos dejar nuestras decisiones en manos del destino, la mejor forma de contar una historia es siempre dándole agencia y poder de decisión a sus personajes en lugar de justificarlos con el peso de la narrativa.

 

The powerful narrative behind Idina Menzel’s acting choices.

What’s the first thing that comes to your mind when you hear the name Idina Menzel (apart from Adele Dazeem)? For me it must be the certainty to embrace oneself. It’s no coincidence that the singer/actress has been carefully selecting through all these years her acting choices to match a certain type of character: the Other.

Menzel has been depicting for long a handful of individuals that can only be described as the Other: a well-thought character which is immerse in a constant state of being different from the common and very shared social identity. her representations, though, are not victims.

If there is one thing that could define Idina’s singular portrayal of Otherness over the past years is her distinctive and constant refusal to be victimized. She has singlehandedly managed to depict a wide variety of colorful characters  that always have refused to lose their unique qualities in order to be accepted. They, instead, try to do something about it.

Just think about Idina’s most iconic characters to date: Elphaba from Wicked  and Elsa from Frozen. They are both strong and powerful women searching for their true self while coping with a society that values passiveness more than authenticity and independence.

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Both Frozen and Wicked revolve around the idea of embracing oneself, of accepting who you are, of not letting anyone to define you, and of taking the Otherness as something that you own and not as something that is not in your control.

Elphaba, on one hand, is a young girl who struggles to cope with the very idea of being a powerful green witch in a place where is not common to have colored people with magic around. Elsa, on the other, is a conflicted woman living with magicals powers whilst trying to do her best as monarch on a kingdom that is not used to have only a queen as their leader.

What’s really daunting about this characters is not just their Otherness, but the way they embrace it as an essential part of who they are. Both Elsa and Elphaba are constrained to fit into a box imposed by the ones around them, but because of their difference, it’s something they don’t want to achieve. They want to be who they are, without any limitations.

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Just as Idina’s life, her characters mostly use music as a way to communicate. Songs in  her movies are often used by her characters as a performative device, where inner thoughts, and identity traits, only become real when they are sung.

If you are familiar with pop culture, you should know that ‘Let it Go‘ and ‘Defying Gravity‘ are ones of the most powerful and empowering songs to date. If you are familiarized with Idina Menzel’s work, you’ll know that they are her go-to melodies when talking about the importance of her career. Within their narratives, these songs function as their hymns to Otherness and their way to embrace it. They are Elphaba and Elsa’s ultimate statement.

Idina’s other famous character, Maureen Johnson, has plenty of ways to express her Otherness in the hit Broadway show, Rent. She is a free person that doesn’t understand life as something that could be either black or white, but something more big in between, an outcast that stands for what she believes and a woman that doesn’t like to be put in a box.

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Unlike Elsa and Elphaba, she doesn’t have to push through a long and hurtful path before embracing her Otherness. She is who she is and she doesn’t care what any other person could think about her or her actions. She is not defined by people nor does she is a victim of their actions. She even has a Tango named after her that really sums up the way people perceive her, making it her ultimate statement.

Even her brief, but stellar, appearance in Disney’s Enchanted as Nancy Tremaine could easily be described as an empowered woman sidelined by her Otherness. Her role within the narrative is to act essentialy as the Other of the Princess Giselle (Amy Adams). She is, after all, the girlfriend of the protagonist’s love interest.

Portrayed by other actress, her arc in the movie could easily fall over the antagonist place. Instead, on Idina’s hands, we got the perfect Otherness arc for a secondary character: she is a succesfull and confident woman looking for love that eventually ends up marrying a charming prince not because the story told her to, but because she decided to.

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There’s something quite exciting and admirable about Idina Menzel’s narrative based on her acting choices: in order to embrace oneself as the Other one must make Otherness visible.

Me estás matando, Susana, Mike And Dave Need Wedding Dates y el doble estándar en el cine

Hoy en día, no es algo del otro mundo saber que a las mujeres y hombres se les juzga continuamente con un doble estándar. Donde a un hombre que se acuesta con muchas personas lo llaman “casanova” a una mujer que hace lo mismo le dicen “zorra”, donde a un hombre que es duro y estricto en el trabajo le llaman “asertivo”, a una mujer con la misma actitud le dicen “perra”.

Como sociedad, no somos capaces de discernir entre lo que está sucediendo frente a nuestros ojos, de los símbolos e imaginarios que tenemos impregnados en la mente. Esto  nos lleva a juzgar sin pensar y a dejarnos manipular por las estructuras paradigmáticas de las personas que nos rodean. Lo mismo sucede en el cine y en la televisión.

No solo reproducimos y creamos representaciones con fuerte carga simbólica y cultural con los personajes que interpretan nuestras historias favoritas, sino que también utilizamos un amplio abanico de herramientas narrativas para juzgarlos.

El doble estándar no diferencia ni edad, ni cultura, ni país y está presente en nuestras series y películas favoritas. En esta entrada hablaré de dos filmes recientes -de dos países diferentes-  que lo trabajaron dentro de sus narrativas de formas similares: Me estás matando, Susana Mike And Dave Need Wedding Dates.

Ambas historias comparten aspectos narrativos esenciales para sus historias: la primera película gira alrededor de la pareja formada por Eligio (Gael García Bernal) y Susana (Verónica Echegui), un par de individuos enamorados con suficientes problemas propios como para sabotear su relación numerosas veces. La segunda trata de las parejas formadas por Dave (Zac Efron) y Alice (Anna Kendrick) y Dave (Adam DeVine) y Tatiana (Aubrey Plaza), un grupo de personas completamente desubicadas de la realidad y de los individuos que los rodean que terminan siendo parejas en la boda de la hermana menor de ellos.

La presentación de parejas en cine o televisión es una herramienta infalible para comparar personajes y equiparar experiencias, estas películas no son la excepción. De hecho, el contraste entre personajes no solo es la fuerza narrativa que dirige a ambos filmes y donde el doble estándar se hace presente numerosas veces, sino que también es la característica intrínseca con la que ambas historias son capitalizadas.

La idea de encontrar similitudes en las diferencias entre personajes no es nuevo, de hecho es una técnica que, aprovechada correctamente, propicia un estudio interesante de los personajes. Sin embargo, utilizada equivocadamente, como sucede en estos filmes, se convierte en una inmensa lista de motes sexistas y comparaciones sin sustento.

En Me estás matando, Susana Eligio es un mujeriego empedernido que no piensa en otra persona más que en si mismo, mientras que Susana es una mujer que le tiene miedo al compromiso y que, en consecuencia, la motiva a huir y comenzar una relación con otro hombre. Bajo esa noción, la película le coloca a ambos personajes la etiqueta de “engañadores” pero los juzga de forma diferente. Mientras a Eligio no se le recrimina por ninguno de sus actos, a Susana le llueven quejas, reclamos y motes por hacer exactamente lo mismo.

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Aunque ambos filmes, en una primera instancia, colocan en el mismo nivel a sus protagonistas, la narrativa se encarga rápidamente de separarlos con detalles y aspectos -como diálogos, imágenes y silencios- que parecen insignificantes pero que son igual de potentes que el discurso mismo. Esto es una respuesta natural a la normalización que le otorgamos al doble estándar y con el que estamos acostumbrados a lidiar día con día.

Mientras que la reputación de mujeriego de Eligio se pone en tela de juicio por medio de supuestos y diálogos simplistas, a Susana se le recrimina una y otra vez por medio de situaciones penosas y quejas constantes. Como si tener relaciones con muchas personas fuera inherente en los hombres e imperdonable en las mujeres.

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En Mike And Dave Need Wedding Dates a Mike y Dave se les llama perdedores y fiesteros, sin embargo nunca se muestran explícitamente las consecuencias de sus actos.  Alice y Tatiana, por otro lado, son  mujeres fiesteras e irresponsables que son presentadas, durante toda la película, como una amenaza imponente capaz de arruinar una boda y que, eventualmente y gracias a una muestra explícita de todos sus actos, termina por suceder.

Mientras Mike y Dave son tachados de irresponsables y obligados únicamente a llevar un par de mujeres  “con valores que se encarguen de enderezarlos y cuidar de ellos” a la boda de su hermana como consecuencia, Alice y Tatiana son las que tienen que responder por sus actos y arreglar todo el desastre que los 4 ocasionan en la boda a la que van.

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Así, Eligio, Mike y Dave representan a todos los hombres que son tachados de mujeriegos  irresponsables que la sociedad nos enseña a normalizar sus actos como típicos del género masculino y que no se les exige que respondan por sus actos.

Susana, Alice y Tatiana, por otro lado, representan a todas las mujeres que necesitan estar a la altura de la etiqueta que se les impone desde del nacimiento de “mujer intocable que es educada con buenos valores” que no tiene -ni debe tener- la capacidad de equivocarse o romperse.

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No está de más recordar el daño que la reproducción de dichos estereotipos ocasiona a la creación de discursos de equidad de género. Por ello, considero que es nuestra responsabilidad como audiencia identificar este doble estándar presente en las películas y series que consumimos y no quedarnos callados sobre ello.

El problema con los universos cinematográficos

Los grandes universos cinematográficos son la nueva apuesta de las principales casas productoras de películas. Ahora los filmes (al menos las grandes superproducciones) se hacen pensando no en una historia sencilla y aislada, sino más bien en un momento (clave o no) alrededor de un grupo de personajes que puede o no puede tener relevancia dentro del espectro de historias  interrelacionadas que conforman dicho universo.

La creación de universos cinematográficos no es más que una consecuencia, y resultado, de la combinación ideal entre la relevancia que tienen las secuelas y precuelas con el impacto y accesibilidad que las redes sociales ha generado en los últimos años entre el mundo cinematográfico y los grupos de fans.

En teoría, estos universos cinematográficos deberían trabajar en función de crear un abanico de posibilidades ,dentro de un mismo espectro y línea de pensamiento fílmico, que facilite la cohesión y coherencia narrativa entre una amplia variedad de géneros e historias intercomunicadas.

A final de cuentas ¿quién no estaría de acuerdo con tener a su disposición una serie de filmes donde las historias y los personajes puedan saltar de una película a otra mientras crean nuevos momentos juntos para el goce de su base de fans? Sin embargo, en la práctica no es tan sencillo.

Con el afán de darle más importancia a los grupos de fans, las enormes casas productoras han comenzado a crear sus universos en torno a las sugerencias de sus seguidores más ávidos, ocasionando una adscripción total de una serie de historias acumuladas dentro de un mismo espacio, sin delimitar sus diferencias y particularidades propias, que, inevitablemente, dan como resultado a un grupo de historias fundidas entre sí, cargadas de aspectos genéricos y sin delimitación alguna.

Dicho tratamiento no es más que una consecuencia de la tremenda necesidad de las casas productoras por transformar sus películas y productos audiovisuales en enormes marcas distintivas que se vendan por si mismas. De esa forma, los personajes y las historias que antes le daban vida a una película pasan a ser narrativas dispensables, mientras que las secuencias de acción y los momentos controversiales que dan algo de qué hablar al público, toman protagonismo.

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Los universos ya no proponen una serie de personajes con historias potentes de trasfondo, ni características particulares que los distingan de los demás; ahora, solo recrean estereotipos genéricos con capacidad de recitar diálogos sin interrumpir la acción que está sucediendo a su alrededor.

Pensemos en el universo cinematográfico de Marvel y su abanico de personajes, si a éstos les restaramos sus superpoderes, no tendríamos más que a un grupo de individuos genéricos sin motivaciones o historia de trasfondo lo suficientemente interesante como para llevar una película en sus hombros.

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Ahora imaginemos qué sucedería si al (más reciente) universo cinematográfico de DC le abstrayeramos toda la controversia que gira a su alrededor, nos quedaríamos con un par de secuencias de acción genéricas y un grupo de personajes secundarios que solo existen para llevar a la película del punto A al punto B.

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Lo mismo sucedería si realizáramos este mismo ejercicio de imaginación con los últimos intentos (fallidos y exitosos) del resto de las casas productoras por crear sus propios universos cinematográficos alrededor de marcas exitosas:  Ghostbusters, Jurassic Park Terminator, donde -una vez más- los personajes principales figuran como un acumulado de peones dispensables que no hacen más que vivir dentro de un compilado de secuencias de acción y chistes genéricos.

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A final de cuentas, el problema no reside en pensar en los universos cinematográficos como el siguiente paso lógico del legado que nos han dejado los Blockbusters, sino más bien, la falta de imaginación y creatividad detrás de todo el proceso.

Si los estudios se preocuparan un poco más por las historias que sus creadores tienen por contar y menos por complacer a sus bases de fans,  podríamos gozar de universos cinematográficos completos y bien estructurados.