No te metas con mis hijos: la invisibilidad de la infancia queer en los medios.

Si hay algo que debo reconocerle a la televisión actual que está mucho más adelantada en el tema que el cine, creo yo es su interés por la representación. Cada show, cada historia y cada temporada nueva hace un esfuerzo importante por incluir un (o más) personaje que pertenezca a una minoría o grupo vulnerable.

Ya quedaron atrás los tiempos donde la televisión era completamente blanca y heterosexual. Ahora ya podemos encontrarnos con personas adultas de color, homosexuales y transgénero como protagonistas de historias relevantes y muy actuales. Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas.

Algo que siempre me ha causado mucha curiosidad es la falta impresionante de personajes infantiles queer en cine y en televisión. Podemos entender que un hombre adulto mantenga una relación con su novio e, incluso y con mucho esfuerzo y meditación aceptar que una persona haya nacido con sexo femenino pero se identifique en su adultez como hombre. Lo que está prohibido siquiera sugerir es que una niña se vista de azul y le gusten los carros o que un niño decida usar un vestido y salir bien librado del asunto.

Esto, por supuesto, solo es reflejo de la sociedad en que vivimos, donde argumentar que los infantes queer existen será siempre equiparado con realizar un ataque directo a la inocencia infantil y a cuestionar los buenos valores con los que cada familia educa a sus hijos y sus hijas.

Pensar en una presencia importante y una representación de niños y niñas queer en los medios es aceptar, e institucionalizar, algo que la sociedad ha estado negando de manera recalcitrante a lo largo de los últimos años: ser queer es algo con lo que se nace, no algo que se aprende al crecer. Pero no todo está perdido. Algunos shows muy pocos, para ser franco han decidido ir deliberadamente más allá de los cánones sociales al incluir a la infancia queer en sus historias.

El remake de One Day At A Time de Netflix, por ejemplo, decidió que la historia de Elena, una chica activista de 15 años que también es hija de la protagonista, era relevante para la historia al mostrar su proceso para salir del clóset con su familia. La serie lo logra extraordinariamente al presentarlo como algo totalmente normal, sin necesidad de estereotipar a sus personajes ni de caer en el sentimentalismo barato.

The Mick, la nueva serie de FX protagonizada por Kaitlin Olson, decide ir mucho más allá con Ben, un infante de no más de 7 años de edad, que se identifica como una persona de género fluido que lo único que quiere hacer es poder vestirse con vestidos y pantalones cuando más le plazca sin necesidad de explicarse frente a sus maestros o a los padres de sus compañeros de escuela.

Pretty Little Liars lo hace también con un discurso un tanto contradictorio y perjudicial, debo decir—con Charles, el hermano menor de una de las protagonistas, que decide tener su transición a Charlotte mientras está en un hospital mental donde intentan tratar su identidad como un problema psicológico y no como algo que ha sido parte de su vida desde el momento en que nació.

Debemos celebrar que existan programas que se arriesguen cuando de representación en sus historias se trata. Sin embargo, me parece muy peligroso fingir que algo tan sencillo y natural, como lo es la identidad infantil, sea aún tratada como un tema tabú en los medios.

Series como The Mick o One Day At A Time nos demuestran que no es difícil ni imposible tocar temas de relevancia actual sin la necesidad de caer en la controversia o el sensacionalismo que rodea tan típicamente a la identidad, el género y la sexualidad, sobre todo si se trata de la de los niños y las niñas.

Estos shows logran representar a la infancia no como un monolito de inocencia difícil de alcanzar, sino como integrantes importantes de una sociedad de la que no podemos seguir manteniéndolos alienados.

Si nos dejáramos de preocupar tanto en lo que nuestros hijos e hijas puedan o dejen de aprender de los demás y mejor enfocáramos esas energías en empoderarlos y hacerlos sentir orgullosos por lo que son y no por lo que dejarían de ser, nos evitaríamos muchos problemas a la hora de tratar de convivir en armonía como sociedad.

The nice guy and the entitlement to date him in movies

You all know the story, a nice boy meets the wild girl and falls in love with her, along comes a serious relationship and she turns to be nothing he picture she would be. Boy feels betrayed by girl. Boy calls her a bitch. Boy asks himself why does these things always happen to him.

If it sounds familiar to you is because more than a handful of movies and TV shows have depicted this precise story more than enough, I must stay in their rom-coms. Unfortunately, in most of the cases, these stories tend to represent the nice guy  like nothing more than a victim of the thoughtless and rude girl, that used him ruthlessly, without thinking about this hopeless individual that devoted his whole world to woo her and love her inconditionally.

The nice guy trope in fiction is usually portrayed as that one dude who thinks he is entitled to date someone only because he’s treating the person he’s in love with with kindness and respect. This guy is that person who always thinks is being missunderstood, but that’s also lovable and totally deserves to be in a relationship only because he’s nice.

Lately, three films in particular, (500) Days of Summer, Ruby Sparks and Comet, have drew upon this specific formula in order to revert the trope of the nice guy and instead tried to depict something more real: relationships are, first and foremost, something bilateral. When it comes to love, everyone involved are the ones to blame.

If you haven’t watched these movies, let me break them down for you. Boy meets girl (fictional girl in Ruby Sparks’ case). Boy and girl begin a relationship (casual relationship in (500) Days Of Summer’s case). Girl tells boy how she feels about love. Boy doesn’t actually hears girl. Boy sky-rockets to stalker mode and wants girl to change for him. Girl breaks up with boy. Boy is devastated. Boy hates girl for putting him in that ugly position and blames her for everything that was wrong in their relationship.

What makes these movies different from the others is the way the narrative treats the relationship. Instead of begging the audience to side with the nice guy, it asks us to go further and look behind the curtain, that place where fiction collides with reality and where the cracks of their telationship begin to show. These films actual purpose is to look beyond the nice guy facade in order to really focus on the human beings involved in the relationships and the things they struggle with.

(500) Days of Summer’ Tom (Joseph Gordon-Levitt) is the ultimate nice guy cliche. He’s kind, considerate and thoughtful, and on the first minute he mets Summer (Zooey Deschanel) immediately gets infatuated by her. She, on the other hand, doesn’t believe in love and hasn’t actually met someone who’s proven her wrong. Summer doesn’t want to get involved in a relationship and just wants to be friends with Tom.

If you have read carefuly, you will probably imagine what will happen next: Tom decides to have a casual relationship with her anyway to prove her he is worthy of her love; then, things go wrong. Summer ends up being the bad one, the one who is rejecting this nice guy who only wants to be in love. The one who crushes his heart .

Tom later learns that Summer is getting married and, of course, he feels betrayed. What he doesn’t know is that she is an actual person who is capable of making her own decisions. She wasn’t in love with Tom and she always told him that. He, on the other hand, decided to hear what he wanted to hear and not what she was actually saying.

Calvin Weir-Fields (Paul Dano) is the nice guy on Ruby Sparks. A dude who’s been trying to forget his ex-girlfriend (the crazy bitch of this tale), but when his fictional character, Ruby (Zoe Kazan), appears in his life as her real girlfriend, everything changes. He is thrilled to have (literally) the woman of his dreams in front of him, the one woman who has everything that he’s been looking for and certainly won’t be cruel to him.

Later in the film, reality kicks in and Calvin learns that, even though Ruby was created by him, she also is an actual human being sounds familiar?,  a person who has feelings and ideas and someone who is not just part of a fantasy. He could try all he wants to change her and expect her to love him back because he’s nice, but, in the end, she is a woman capable of making her own decisions, not someone who Calvin can tamper with.

In Comet, Dell (Justin Long) falls instantly in love with Kimberly (Emmy Rossum) and immediately makes everything he can to woo her. At first, she is not convinced at all and tells him she’s not ready to date, she’s not someone who sees herself spending the rest of her life with someone else.

Eventually they start to date and we see how their story develops in multiple timelines. We also get to see how this relationship was doomed from the very beginning and how it crashes and burn in each and every one of the timelines.

Dell tries to convince Kimberly he is the man of his life, the man who will prove her wrong, the man who will always be nice to her. He tells her that in each and every universe and story they share together. The real problem, though, resides on his stubborness and unwillingness to hear her, to acknowledge Kimberly and her decisions. Once again, the woman is not a an actual person on the nice guy’s eyes, she’s just the idea of what he wants her to be.

As we can see, the nice guy usually lives in a delusional world where his fantasies are attached to the reality he’s part of. He really is a product of the films he lives in. I could perfectly see Tom, Calvin and Dell watching rom-coms and living their life by those depictions of the nice guy.

What’s really interesting is the way these three films use different narrative devices to explain the world their nice guys live in, (500) Days of Summer uses a narrator that gives us instant access to Tom’s mind, Ruby Sparks brings Calvin’s fantasy to life with Ruby, and Comet exploits multiple timelines to evoke Dell’s confusing grappling of reality.

Thus, the real problem with the nice guy as a character is his representation as someone who has null interest in knowing more about the person he has a crush on. He is in love, yes, but he bases his infatuation on the idea he has of the woman, and how she should be, not on the actual individual.

To reproduce this type of depiction is to keep acknowledging that women must date someone just because they are nice and not because they should try to make an effort to know them really. Someone who is willing to see them as  fully formed human beings with an own voice, and not a deranged fantasy that lives only in the nice guy’s head.

La falacia de la mujer protagonista en el cine

Hollywood tiene algo claro: los personajes femeninos empoderados venden. Solo con echarle un vistazo a algunas de las películas exitosas de los últimos años (sobre todo si se trata de franquicias) como The Hunger Games, Mad Max: Fury Road o Rogue One: A Star Wars Story nos podremos dar cuenta de ello.

Tuvieron que pasar muchos años, y diversas peleas dentro y fuera de la industria, para que los estudios comenzaras a ver a las mujeres como algo más que objeto de deseo de los hombres. Ahora es posible encontrar a personajes femeninos que vivan fuera del imaginativo popular y ser protagonistas al mismo tiempo; eso es, sin duda, algo digno de celebrar. Los personajes femeninos pueden -y deben- llevar historias completas en sus hombros sin problema alguno.

Me encantaría argumentar que esto es suficiente para que exista equidad de género y representación femenina suficiente, pero me estaría mintiendo. Es cierto que hemos avanzado mucho, sin embargo, es necesario hacer un especial hincapié y detenernos a pensar en la forma en la que este avance se ha hecho.

Sí, ahora contamos con una mayor representación femenina en las pantallas grandes y sí, ya tenemos mujeres protagonistas dispuestas a llevar historias que antes no eran consideradas dignas de su género.

El problema, en realidad, no radica en la extraordinaria construcción detrás de Katniss Everdeen o de Furiosa, sino en la existencia de otros personajes femeninos que tratan de imitarlas, aprovechando la tendencia actual por representar mujeres fuertes, pero que terminan perdiéndose en esencia.

Ahora tenemos a la muer fuerte, empoderada y con agencia suficiente para mantener una historia donde sus decisiones repercutan directamente en la trama, pero, al mismo tiempo, tenemos a esta misma mujer cuya existencia en la película depende enteramente para validar al personaje masculino (sea protagonista o no) y a sus decisiones.

Aurora, el personaje de Jennifer Lawrence (quién también interpreta a Katniss en The Hunger Games) en Passengers es la representación perfecta de esa idea. Al principio de la película es presentada como una chica independiente, con motivaciones y metas fuertes que la llevan a tomar la decisión de cambiarse de planeta y comenzar su vida de nuevo allá.

Algo que pierde por completo cuando Jim (Chris Pratt) decide despertarla para no estar solo en lo que resta del viaje, es decir, una vida completa. En un momento de la película, Aurora se entera que su despertar no fue accidental, sino a causa de Jim.

En cualquier otra situación de la vida real, una persona común y corriente se sentiría traicionada y herida al enterarse que otra persona literalmente la condena a vivir encerrada. Aurora se enoja, pero al poco tiempo lo perdona e incluso decide olvidar su vida en el nuevo planeta en favor de quedarse con el hombre que ama.

Sus decisiones, antes de conocer al personaje de Chris Pratt, dependen enteramente de ella y de nadie más, pero al momento en que se encuentra con él, comienzan a girar a su alrededor. Todo lo que ella hace es en función de validar a Jim como persona, como ingeniero y como amor de su vida. Aurora termina siendo definida por su relación con Jim y no por sus decisiones.

Lo mismo sucede con el personaje de Maru, intepretado por Karla Souza, en la película mexicana Qué Culpa Tiene El Niño. Maru es una mujer con decisiones propias, ella decide seguir adelante con su embarazo no deseado, no porque Renato (Ricardo Abarca) se lo pida, sino porque ella quiere hacerlo.

El problema radica, más bien, en las acciones que suceden a esta decisión, cuando comienzan a girar en torno a renato y su felicidad, mientras que vemos a Maru pasa de ser protagonista de su historia a espectadora. Para la mitad de la película la narrativa comienza a transformarse sutilmente hasta que llega a un punto en el que  Renato secuestra la decisión inicial de Maru y la hace propia.

Al final, Maru y Renato tienen el bebé y él se corona como el héroe de la historia que mantuvo sus convicciones intactas mientras que Maru se pierde en el fondo, al pasar de ser una portadora de voz y agencia a convertirse en un mero receptáculo de reproducción humana.

La invisibilización de las mujeres en la sociedad -y en consecuencia, en el cine- no es algo nuevo. Por mucho tiempo, incluso en la actualidad, han sido constantemente despojadas de agencia y voz con el afán de tomar papeles dependientes a los demás que les den presencia.

Así, vemos cómo estos dos personajes comienzan su historia portando un nombre y una agencia propia, para terminar al final de la película siendo un dispositivo de validación más, y objetos de sus contrapartes masculinas, “el amor de la vida de Jim” y “la mamá del bebé de Renato”.

Son mujeres a las que se les da agencia, pero no autonomía. Mujeres fuertes que pueden ser protagonistas y llevar la historia principal con facilidad y sin problemas, pero aún necesitan de una presencia masculina a la cual institucionalizar. Mujeres con voz, pero sin credibilidad alguna.

La representación equitativa de género en el cine no significa simplemente tener un personaje femenino que parezca ser fuerte, y que cubra las necesidades básicas de cualquier filme. También significa crear una narrativa acorde a la construcción del personaje, que la valide, e institucionalice, más allá de su aparición.

Abortion and the decision to be a mother on TV shows.

I think there’s something wrong with our society when, still nowadays, people aren’t able to talk openly of abortion without being subjected to a reprimend. It doesn’t matter if you are in favor or against it, people still would snap out of their minds with the very mention of it and this needs to change.

Women are still having -and will keep having- abortions wether people like it or not, it’s a fact. Our responsability, as active members of a society, is to dig in into this controversial -and troublesome- ideas, no matter how (un)comfortable that makes us feel.

We need informed people, we need individuals to be confronted head on with this subject now more than ever, because we can’t keep avoiding it. Abortion is part of our reality and we need to see that. Wee need to accept that and carry on with our lives.

Lately, I’ve been pleasantly surprised to know that TV shows had surpased us on this very subject. Just last year, I’ve came across with four shows that aired different episodes with a variety of colorful stories were abortion has been treated like it is, a  non-judgmental day-by-day decision made by women about her own bodies. Sometimes accompanied by their partners, other times, alone.

Take Bojack Horseman for example, not only did they succesfully managed to make an entire episode (Brrap Brrap Pew Pew) devoted to treat the subject from diferent angles -controversial song included- but it also singlehandedly managed to create an enthralling story for Diane in which she decides to have an abortion with the full support of his boyfriend, Mr. Peanutbutter, and with no regrets whatsoever.

Within Bojack Horseman‘s world, abortion is a delicate topic to engage with too, thus, women are also demonized. What’s refreshing is the much human take of the situation. There there is this strong and confident woman who’s not ready -or doesn’t want – to have a child and her life partner is, nonetheless, by her side all the time. Talk about relationship goals.

Something similar happens in a stelar episode (When Will Josh And His Friend Leave Me Alone?) of the wonderful second season of Crazy Ex-Girlfriend, when Paula finds out that she’s pregnant right after receiving the news that she was accepted to study law in order to follow her dreams of becoming a lawyer.

And the show comes up with an interesting take on the matter and certainly one that a lot of women has to deal with in any given moment in their life: how much self-sacrifice should women have to face in order to achieve their dreams? What happens when life gets in your way? What you shoould do? How it will affect your life and the way everybody sees you?

The answer is, and as Crazy Ex-Girlfriend perfectly sums it up, to go on with it, whatever the finally decision is or would be. Eventually, she decides to go on with the abortion, with her husband by her side, holding her hand and taking care of her. Paula already has two kids and a prominent future looking right at her, waiting for her.

As we can see, motherhood is not, and shouldn’t be, an obstacle in one’s life.  Motherhood it’s neither a burden every women has to carry on their shoulders, nor an obligation that should be imposed on their lives.

This is something that crosses Lindsay’s mind on a poignant episode of You Are The Worst (Talking To Me, Talking To Me) when she is met with a crossroad deciding if she wants to go on with her pregnancy because she really wants to have a baby or just because it’s what her husband needs to be happy.

As an audience, we’re aloud to see through the cracks of Lindsay and Paul’s relationship. They are -and has been-together more out of a rutine than by a shared sense of love or mutual respect, for that matter; and, as later Lindsay realizes, a baby is not going to help improve it either way. Their not meant to be together, pregnancy aside or not.

Lindsay, as immature and impulsive as she is, ends getting the abortion without consulting it with his husband. Eventually he learns about it and, after a big fight, he too acknowledges that even a baby would not save their relationship.

The series is so nuanced and invested on telling this story, that they manage to make a powerful argument with it: being a mother is, as any other aspect in life, a decision that needs to be made, not by others, but by the couple involved; and, first and foremost, by the woman herself.

Fiona Gallagher, the matriarch and the (somewhat) moral compass of the Gallagher family in Shameless US has to make the same decision on an episode (NSFW) of the sixth season. After she learns she is pregnant she decides, with the help of her boyfriend, to have an abortion. As we can see throughout the whole episode, they are not ready to have a kid, nor they want to.

Praises aside, these four bold series have managed to do what any other show couldn’t, treat abortion not as the main event of an episode, but rather as a part of each of their characters’ stories. By not making a big fuzz about it, they’re really changing the way we should be treating the subject, like a life decision more than a game changer.

Lala Land y la cinematografía de un sueño

A estas alturas ya debes estar enterado, querido lector, de la película que ha causado una sensación entre los críticos y las audiencias, Lala Land. Por supuesto que, debido a tanta atención, el filme ha ocasionado puntos de vista muy divisivos, pero yo no estoy aquí para hablar de eso.

No, yo quiero explicarles porqué considero que esta película está hecha por y para soñadores y cómo es que representa esto haciendo uso de una gran variedad de recursos narrativos de diferentes e interesantes magnitudes. Bienvenidos, a la ciudad de las estrellas.

Dejemos esto claro, Lala Land es un musical y, como toda buena pieza audiovisual de este género, involucra una narrativa melódica y elementos fantásticos que permiten a la audiencia sentir empatía por los protagonistas y poder seguir con facilidad la historia que se desenvuelve frente a ellos.

las herramientas narrativas del musical (la música, la lírica, la repetición), en sí, funcionan como una forma alternativa de representar, en el cine y teatro, a los sueños y las fantasías que se desarrollan en el mundo creado por los protagonistas como un medio de escape de la realidad rutinaria que no es melódica, sino estática.

El filme comienza con un momento musical que establece el tono y las bases centrales de la película: una tarde calurosa en Los Ángeles, donde el tráfico y la cotidianidad están a la orden del día, es irrumpida por un grupo de automovilistas que narran (por medio de una melodía, coreografías y atuendos coloridos) una serie de momentos importantes en sus vidas donde recuerdan haber cumplido sus sueños, permitiéndoles ser felices.

Con esta declaración, Lala Land dedica sus casi dos horas de duración a retratar a una pareja con sueños y metas independientes de su relación y cómo, a pesar de las adversidades, los dos hallan formas y modos diferentes para motivarse a alcanzarlos, incluso si una de estas adversidades son ellos mismos.

Gracias al uso de diferentes técnicas cinematográficas, el director logra construir a la perfección el mundo del soñador frustrado. Con cada tropiezo y éxito sucedido, Damien Chazelle logra colocar a la audiencia en la mente de sus personajes elaborando escenas que hablan muchísimo más que el conjunto explícito de diálogos y conversaciones que sus protagonistas, Mia y Sebastián, tienen sobre sus metas a corto y largo plazo.

Cada que uno de su personajes se encuentra en un estado de estaticidad en relación a su vida profesional, el director enmarca sus tomas y asfixia a los involucrados para que el espacio luzca claustrofóbico y apretado, como si no existiera una forma de salir de ahí.

Así, podemos ver cómo Mia es enmarcada entre dos anuncios luminosos mientras se encuentra frustrada después de haber sido rechazada en otra audición, o a Sebastian siendo sofocado por las pequeñas paredes de su departamento mientras su hermana le explica lo complicado que puede resultar su sueño de abrir su propio club de Jazz.

La historia representa a un mundo con adversidades, sí, pero Chazelle también direcciona muchos de sus esfuerzos en asegurar que nada está perdido. Cuando Mia o Sebastian están juntos, platicando de sus futuros, la cámara se coloca estratégicamente detrás de ellos, viendo hacia el cielo, como si fueran parte de la audiencia y el director tratara de colocarnos frente a un futuro prometedor, pero inalcanzable, que podrían tener juntos.

De hecho, muchas de las tomas de Mia y Sebastian juntos son elaboradas para que ellos sean parte de la audiencia y no protagonistas de su historia. Varios momentos son enfocados desde la perspectiva subjetiva del público, a la misma altura de ellos, viendo hacia arriba o hacia el frente.

(SPOILER)

Algo que se invierte cerca del final, cuando la pareja decide terminar su relación y enfocar sus esfuerzos individuales en tratar de alcanzar sus sueños. En ese momento, la cámara los toma desde abajo, colocándolos en el lugar donde antes estaba su mirada, en el cielo estrellado.

Hay una toma en particular, después de la audición de Mia (donde, por cierto, las personas que le hacen la audición Pasana ser la audiencia) en la que los dos están sentados en la banca fuera del observatorio y la cámara realiza un contrapicado (es decir, una toma vista desde abajo), dejandólos a ellos a la altura del cielo. Justo en el lugar donde siempre quisieron estar.

(FIN DEL SPOILER)

El protagonismo que toman los planos secuencia (o escenas grabadas en una sola toma) no es mera coincidencia, Lala Land nos recibe con una serie de planos secuencia que no hacen otra cosa que reforzar la idea del camino que los protagonistas tienen que tomar.

Me explico para que un plano secuencia funcione dentro de una narrativa necesita de una innumerable cantidad de ensayos de la misma escena para que no haya ningún error y pueda desarrollarse con la cadencia y ritmo que requiere.

Cuando la cámara sigue a los protagonistas a lo largo de una de estas tomas, da entrada a generar empatía y un tipo de camaradería que solo alguien que acompaña a otra persona en su viaje de crecimiento es capaz de entender. Los planos secuencia son, entonces, la ejemplificación narrativa de la historia de Mia y Sebastian.

Si hay algo que debaemos reconocerle a Damien Chazelle como director es el esfuerzo y tiempo que le dedica a la representación lógica y cuidadosa de su historia tanto narrativa como cinematográficamente. Dedicación y esfuerzo que imprime de primera mano en los personajes de Mia y Sebastian.

Un espacio para la desnudez.