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When fame gets in the way of love: a musical tragedy.

It seems that love and fame are difficult —or even impossible— to get along with. At least that’s what some movies, particularly musicals, have been trying to explain us all along. In their worlds, failed artists are meant to find love only by sacrificing their passions.

Nowadays, films’ stance on the artists’ love life is like this: you either are very lucky to find the love of your life and spend what’s left of your days to devote yourself to his or her hapiness, or you succeed on achieving your dreams by following the path you are always meant to walk. You have to choose, you can’t have both.

There’s no better way to illustrate this than with Jason Robert Brown’s  The Last Five Years, adapted to film by Richard LaGravenese, and Damien Chazelle’s Lala Land. Movies where their protagonists   —all artists, by the way — have to face the tough decision of living a fameless life by staying together or embracing the success that is coming their way, but only by themselves.

In The Last Five Years’ movie adaptation, Cathy (Anna Kendrick) is a musical theater performer who is looking for an opportunity that can finally take her out of her waitress job. Jamie (Jeremy Jordan), on the other hand, is a writer looking for a publishing house who would want his book.

In Lala Land, Mia (Emma Stone) is an actress who is looking for an opportunity that can finally take her out of her barista job. Sebastian (Ryan Gosling) is a jazz lover who wants to open his own club where he can play his own music.

They all have dreams to fullfill and places to be, but life — and love, at some extent— eventually gets in their way.  Both couples fight to stay with each other along the way, but success, as we will learn, is a tricky thing to achieve and it does not wait for anyone or anything.

What’s really enlighting about contrasting these two movies is that we have the possibility to understand how two directors can represent different scenarios, and perspectives, of the same problem: the one with the couple that begin to have problems as soon as one of them becames famous, and the other couple that strengthens themselves by supporting each others dreams but fell off the wagon half way anyway.

Whilst Jamie succesfully manages to sell his first book to a famous publishing house right after he starts dating Cathy, she is not getting callbacks at all. In fact, she is just stuck between her job as a waitress and her summer gig in Ohio. She is happy for him but, as he becomes more and more famous, she starts to feel more like a failure. She doesn’t want to be the one that’s left behind.

There’s more than the eye could see with their relationship’s problems, Jamie’s success in no way feels like a threat to Cathy, but rather a constant reminder of her failure and her impossibility to follow and achieve her dreams. Cathy’s insecurities stems from society’s need to validate women by their hability to carry along with their household activities they’re supposed to do, instead of accomplishing their goals.

Their real problem, though, is their unwilingness to communicate with each other. They are really afraid to let the other down, because they really love each other. And when they actually communicate, their only purpose is to hurt themselves.

Cathy and Jamie, in fact,  sing to express themselves. They use music to express their deepest and inner thoughts, and to reflect their expectations, like a daydreaming blowoff valve.  She wants to be independent, succesful and in love, but, at the same time, he wants to be a good provider, a succesfull writer and a charming womanizer.

Mia and Sebastian’s relationship functions the other way around. Both of them are unsuccessful and very lonely when they actually start dating. What’s really great of their relationship is the support and motivation they have with each other. Neither one of them want to see the other one fail, on the contrary, they want them to be happy and fulfilled people.

It’s really their inhability to feel empathy for one another what pushes them to break up. While Mia is incapable to believe that Sebastian would do anything to follow his dream —even if this means to play on a mainstream band and touring— he is clueless about her weariness and constant disappointment that all her failed auditions make her feel.

In the end, they all are idealists, and it’s really interesting to understand that the one thing these four people share, apart from their desire to be famous, is the way they grapple their lives by putting all their expectations before reality. They want to be in an ideal relationship, one where empathy and communication are something to be expected from your loved one.

As we can see, all of the four characters  are always constrained and forced by themselves to live between two worlds: first and foremost, on a fantasy land where they can have it all, and, later, on the real world, where love and fame can’t get along.

In fact, one of these musicals strenghts is their capability to toy with their narrative in order to show their portagonists’ life expectations by using different formats to evidence the stark constrasts between their titular couples real lives’ and their fantasy worlds.

In these movies, achievement and happiness are related with a fantasy/dream world  were their expectations are fulfilled, whilst failure and disappointment are paired with the real world. Both LaGravenese and Chazelle even depict these particular moments with different colors and shades along their stories; whereas the blue and gray filters are in charge of showing failure, the yellow and white ones are destined to bathe the screen with color when an achievement is made.

There’s certainly something tragic behind this argument. This is a world  where idealists are bound to always be normed and constrained by their expectations if they want to follow their path towards success. Even if this means to sacrifice love in their lives.

Lala Land y la cinematografía de un sueño

A estas alturas ya debes estar enterado, querido lector, de la película que ha causado una sensación entre los críticos y las audiencias, Lala Land. Por supuesto que, debido a tanta atención, el filme ha ocasionado puntos de vista muy divisivos, pero yo no estoy aquí para hablar de eso.

No, yo quiero explicarles porqué considero que esta película está hecha por y para soñadores y cómo es que representa esto haciendo uso de una gran variedad de recursos narrativos de diferentes e interesantes magnitudes. Bienvenidos, a la ciudad de las estrellas.

Dejemos esto claro, Lala Land es un musical y, como toda buena pieza audiovisual de este género, involucra una narrativa melódica y elementos fantásticos que permiten a la audiencia sentir empatía por los protagonistas y poder seguir con facilidad la historia que se desenvuelve frente a ellos.

las herramientas narrativas del musical (la música, la lírica, la repetición), en sí, funcionan como una forma alternativa de representar, en el cine y teatro, a los sueños y las fantasías que se desarrollan en el mundo creado por los protagonistas como un medio de escape de la realidad rutinaria que no es melódica, sino estática.

El filme comienza con un momento musical que establece el tono y las bases centrales de la película: una tarde calurosa en Los Ángeles, donde el tráfico y la cotidianidad están a la orden del día, es irrumpida por un grupo de automovilistas que narran (por medio de una melodía, coreografías y atuendos coloridos) una serie de momentos importantes en sus vidas donde recuerdan haber cumplido sus sueños, permitiéndoles ser felices.

Con esta declaración, Lala Land dedica sus casi dos horas de duración a retratar a una pareja con sueños y metas independientes de su relación y cómo, a pesar de las adversidades, los dos hallan formas y modos diferentes para motivarse a alcanzarlos, incluso si una de estas adversidades son ellos mismos.

Gracias al uso de diferentes técnicas cinematográficas, el director logra construir a la perfección el mundo del soñador frustrado. Con cada tropiezo y éxito sucedido, Damien Chazelle logra colocar a la audiencia en la mente de sus personajes elaborando escenas que hablan muchísimo más que el conjunto explícito de diálogos y conversaciones que sus protagonistas, Mia y Sebastián, tienen sobre sus metas a corto y largo plazo.

Cada que uno de su personajes se encuentra en un estado de estaticidad en relación a su vida profesional, el director enmarca sus tomas y asfixia a los involucrados para que el espacio luzca claustrofóbico y apretado, como si no existiera una forma de salir de ahí.

Así, podemos ver cómo Mia es enmarcada entre dos anuncios luminosos mientras se encuentra frustrada después de haber sido rechazada en otra audición, o a Sebastian siendo sofocado por las pequeñas paredes de su departamento mientras su hermana le explica lo complicado que puede resultar su sueño de abrir su propio club de Jazz.

La historia representa a un mundo con adversidades, sí, pero Chazelle también direcciona muchos de sus esfuerzos en asegurar que nada está perdido. Cuando Mia o Sebastian están juntos, platicando de sus futuros, la cámara se coloca estratégicamente detrás de ellos, viendo hacia el cielo, como si fueran parte de la audiencia y el director tratara de colocarnos frente a un futuro prometedor, pero inalcanzable, que podrían tener juntos.

De hecho, muchas de las tomas de Mia y Sebastian juntos son elaboradas para que ellos sean parte de la audiencia y no protagonistas de su historia. Varios momentos son enfocados desde la perspectiva subjetiva del público, a la misma altura de ellos, viendo hacia arriba o hacia el frente.

(SPOILER)

Algo que se invierte cerca del final, cuando la pareja decide terminar su relación y enfocar sus esfuerzos individuales en tratar de alcanzar sus sueños. En ese momento, la cámara los toma desde abajo, colocándolos en el lugar donde antes estaba su mirada, en el cielo estrellado.

Hay una toma en particular, después de la audición de Mia (donde, por cierto, las personas que le hacen la audición Pasana ser la audiencia) en la que los dos están sentados en la banca fuera del observatorio y la cámara realiza un contrapicado (es decir, una toma vista desde abajo), dejandólos a ellos a la altura del cielo. Justo en el lugar donde siempre quisieron estar.

(FIN DEL SPOILER)

El protagonismo que toman los planos secuencia (o escenas grabadas en una sola toma) no es mera coincidencia, Lala Land nos recibe con una serie de planos secuencia que no hacen otra cosa que reforzar la idea del camino que los protagonistas tienen que tomar.

Me explico para que un plano secuencia funcione dentro de una narrativa necesita de una innumerable cantidad de ensayos de la misma escena para que no haya ningún error y pueda desarrollarse con la cadencia y ritmo que requiere.

Cuando la cámara sigue a los protagonistas a lo largo de una de estas tomas, da entrada a generar empatía y un tipo de camaradería que solo alguien que acompaña a otra persona en su viaje de crecimiento es capaz de entender. Los planos secuencia son, entonces, la ejemplificación narrativa de la historia de Mia y Sebastian.

Si hay algo que debaemos reconocerle a Damien Chazelle como director es el esfuerzo y tiempo que le dedica a la representación lógica y cuidadosa de su historia tanto narrativa como cinematográficamente. Dedicación y esfuerzo que imprime de primera mano en los personajes de Mia y Sebastian.

Birdman (o La inesperada virtud de ser una persona libre)

Ayer fui a ver la nueva película de Alejandro G. Iñárritu, ‘Birdman’, y salí del cine pasmado. No sólo porque goza de un cast tan versátil y capaz de sacar adelante una historia tan estructurada ésta, sino también por contar con uno de los finales más satisfactorios y sólidos que hace mucho no veía en un filme.

‘Birdman’ retrata la vida de Riggan Thomson, un actor olvidado por la industria que busca desesperadamente volver a ser relevante -y reconocido- con la adaptación, dirección y actuación, de una obra de teatro importante significado en su vida.

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El tema de la relevancia es circular y permanente en toda la película. Riggan constantemente trata de convencer a los demás -y así mismo- de que es una persona que vale la pena ponerle atención, pero al mismo tiempo, cae en el juego de tortura psicológica donde nadie duda más en eso que él mismo. Algo que me recordó muchísimo a una película (igual de magnífica) del año pasado: Blue Jasmine, de Woody Allen.

Tanto Jasmine como Riggan son individuos que lograron llegar a la cima y perdieron todo en el camino. Ambos buscaban ser reconocidos, famosos, y relevantes. Para Jasmine su relevancia radicaba en tener una vida llena de lujos y vida social; para Riggan significaba ser una estrella de Hollywood relevante y reconocida.

Para los dos, su peor momento sucede cuando pierden toda credibilidad ante la sociedad y comienzan a ser caricaturas de lo que alguna vez fueron, simples ecos que transitan por la vida esperando alcanzar ese segundo aire que aseguran que la vida les tiene prometido.

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Y, de alguna forma, lo logran: Jasmine conoce a otro hombre que le proporciona esa vida de lujo que tanto anhela. Riggan monta una obra en la que invierte todo su dinero y tiempo para volver a ser reconocido.

Pero no es sino hasta el final cuando los ecos directos entre ambas películas chocan. No pienso spoilear lo que, en mi caso, fue el momento más mágico de toda la película pero sí puedo asegurar que la cosa no termina bien.

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En ambas películas, los protagonistas le hacen honor a las etiquetas simbólicas que los directores depositan en ellos. Jasmine  busca, a como de lugar, ser la flor más hermosa del campo de la misma forma que Riggan espera volar tan alto como el personaje que tanto le dio la fama. Los dos esperan ser libres al mismo tiempo que necesitan de la validez de los demás para lograrlo.

Para mí, ‘Bridman’ es un balance perfecto entre argumentos sólidos y mensajes claros. En el mundo de Riggan está presente la sociedad que juzga y etiqueta, el torturador que todos llevamos dentro, los medios que critican y la inestabilidad emocional del ser humano. Pero, sobretodo, es tan recalcitrante el tema de la libertad que da entrada a una relevancia tan poderosa y potente capaz de emocionar a cualquiera.

Si lo que Riggan Thomson quería era ser relevante, con ‘Birdman’ lo logró con creces.

Magic in the Moonlight: en el límite de las comedias románticas y la narrativa simplista.

Desde hace (casi) cincuenta años, Woody Allen nos ha deleitado -año tras año- con historias maravillosas y otras no (tan) maravillosas que nos hablado de los problemas de la modernidad, las relaciones en pareja y la crisis de los individuos por encontrar su propia identidad.

Este año, el cineasta no se queda atrás y nos presenta su último filme: Magic in the Moonlight. En ella vemos cómo un mago inglés, llamado Stanley, busca desenmascarar a Sophie, una  espiritista estadounidense que parece que sus únicos motivos son estafar a las familias ingenuas y acaudaladas.

Cabe destacar la actuación de Emma Stone como Sophie, la espiritista ingenua que parece no esconder ningún tipo de secreto. Personaje que me sorprendió gratamente por el tratamiento tan respetuoso y adecuado que la actriz le imprime y la forma tan única que usa para desarrollarse en una historia que busca evidenciarla desde el principio.

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Algo que me gustó mucho de esta nueva entrega de Allen es el argumento predominante en toda la película: la contraposición tan fuerte en la que la ciencia y la religión se encuentran posicionadas en la mente de las personas y la enorme influencia que cada una de ellas figura en el pensamiento de cada individuo.

De esa forma, y muy a su estilo, muestra los extremos de cada corriente de pensamiento: Por un lado están los creyentes que dedican su vida a buscar la felicidad en elementos que están más allá de su entendimiento terrenal. Por otro, están los escépticos que dedican su vida a comprobar teorías gracias a objetos tangibles y hechos reales.

Debo agregar que concuerdo con el director cuando argumenta que los seres humanos no deberíamos necesitar de elementos imposibles de comprender para encontrar la felicidad cuando las podemos ver en las pequeñas cosas de la vida. Sin embargo, difiero enormemente en la manera en que la narrativa le hace justicia a esta idea. Y ese creo que es el mayor problema de esta película: su narrativa.

SPOILERS

De entrada, el personaje de Colin Firth (Stanley) se nos es presentado como un individuo que es escéptico de la cabeza a los pies; es un mago que está seguro que todo evento y circunstancia de la vida tiene una razón de existir y que la raza humana no debería depender de un destino trazado por un ser superior a nosotros.

Sin embargo, todo esto que lo distingue como personaje construido se desvanece al momento en el que el personaje de Emma Stone (Sophie) le demuestra lo contrario, gracias a una serie de eventos aislados,-y sin mucho fundamento- que lo ponen en un predicamento con su propia corriente de pensamiento e, incluso, su forma de ver la vida.

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Me parece ilógico que una persona tan recalcitrante y sujeta a su pensamiento (determinante para toda acción en su vida personal y profesional)  cambie de opinión -desde la raíz- tan fácilmente sin antes cuestionar los propios métodos con los que la espiritista hace gala continuamente. Por lo que me resulta muy poco plausible que un personaje tan bien construido como el de Stanley cambie todo su M.O. a la mitad de la película y decida actuar de forma contraria a lo que lleva toda su vida predicando.

Lo que parecería apuntar a ser un  ‘character development’ interesante termina por convertirse en un enorme fallo en el tratamiento del personaje desde el guión, la narrativa y el tiempo de exposición del personaje.

FIN DE SPOILER

Lo que me lleva al que me pareció otro punto en contra de la película: el tiempo. Todo sucede tan rápido -y sin detalles importantes- que nos es imposible, como audiencia, identificarnos con las circunstancias en la que los protagonistas se encuentran. Los personajes van caminando tan deprisa que los eventos se desenvuelven de forma forzada y sin mucho sentido, dejando de lado la cadencia que se necesita para entender el ‘character development’ que sugiere la película.

De esta forma, el argumento principal de la película se funde en un revoltijo de ideas y situaciones que terminan por confundir a la audiencia. Lo que comienza como una historia de matices profundos termina por ser una comedia romántica (a la Woody Allen) cuyos principales conflictos son resueltos en contra del tiempo y de la manera más forzada posible.

Sería un error de mi parte intentar comparar esta película con su predecesora Blue Jasmine. Sin embargo, Woody, al dejar la vara tan alta con una historia tan completa, y bien construida como lo fue la historia de Jasmine, nos queda debiendo una propuesta novedosa que pintaba a ser inteligente -y bien planteada- y no una simple comedia romántica.