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La violación como historia de trasfondo y otras técnicas de simplificación de los personajes femeninos

Hoy en día, es común encontrar personajes femeninos en el cine y la televisión que bien pudieran entrar en la categoría de Mujeres Frías o Duras. Esas mujeres que no son emotivas, al contrario, que prefieren no dejarse llevar por los sentimientos. Aquellas mujeres que son calculadoras y que toman las decisiones difíciles, pero necesarias, para beneficiarse a si mismas.

Mujeres como Claire Underwood (Robin Wright) de House Of Cards que todo lo que hace — las cosas buenas y malas — tiene como fin asegurar su lugar en la Casa Blanca, o Gabrielle Solís (Eva Longoria) en Desperate Housewives, cuya frialdad y separación de sus sentimientos influye constantemente en sus relaciones cercanas y en las decisiones que toma, o incluso Mildred Hayes (Frances McDormand) en Three Billboards Outside Ebbing Missouri, cuyas intenciones de venganza no logran ser detenidas por nada ni nadie.

Sin embargo, estas mujeres comparten algo más, más allá de su frialdad y personalidades duras; todas ellas cuentan con una historia de violación como parte de su backstory. A Claire la violó uno de sus compañeros de la universidad cuando era joven, Gabrielle cae en las manos de su padrastro cuando era solo una niña y Mildred vive en carne propia el sufrimiento que su hija tuvo al momento de ser violada antes de ser asesinada.

Esto, al igual que muchos otras cosas que hemos hablado antes en el blog, es uno de los diversos tropes que a los guionistas de un producto audiovisual — en su mayoría, hombres — les gusta usar cuando no tienen conocimiento sobre un tema y se ven en la necesidad de crear drama y motivación para sus personajes femeninos. En ese sentido, este trope es conocido como Rape as Backstory (o Violación como historia de trasfondo, en español).

La cosa está así: los personajes femeninos, al igual que los masculinos, necesitan de motivaciones que fundamenten sus acciones y modos de ser y existir en el mundo donde está sucediendo la historia desarrollada por los guionistas. La diferencia radica en que, mientras que los hombres duros y desapegados de sus sentimientos, cuentan con historias de fondo llenas de problemas de abandono, desamor y una gran cantidad de novias muertas o violadas — otro trope injustificable que ya habíamos discutido antes con detalle — que le dan sentido a su frialdad, las mujeres con el mismo perfil de personalidad tienen una, o varias violaciones en su pasado que intentan respaldar sus actitudes.

La violación como historia de trasfondo normalmente es representada de dos formas: como justificación de la historia de venganza de una heroína o, bien, para darnos la información suficiente para entender el origen de las características esenciales de un personaje femenino. De hecho, este trope es uno de los más flojos e innecesarios que existen hoy en día y que muchos guionistas siguen usando sin responsabilidad.

Es cierto que la mayoría de las historias que hacen uso de esta técnica narrativa tienen la finalidad de ser catárticas, mientras pretenden mostrar la resiliencia de un personaje femenino, pero debido a su mal desarrollo y escaso interés por parte de los guionistas en crear personajes femeninos multidimensionales, terminan por ser relatos misóginos y poco considerados.

Usar una violación como única motivación en la historia de trasfondo de un personaje femenino, ayuda a fomentar y reproducir la idea de que las mujeres no son más que genitales femeninos con pies. Aquellos recipientes de la violencia de los hombres; las proporcionadoras de placer y satisfacción del género masculino que existen para cumplir con sus necesidades aún en contra de sus propios deseos.

En esencia, las mujeres siguen siendo vistas como extensiones intrínsecas de los hombres y, por ello, son escritas a partir de su funcionalidad y propósito que les puede ser otorgado por los hombres. Como si de ellos dependiera su existencia y la forma en la que se construye su personalidad a partir de las interacciones que mantienen con ellos.

Beatrix Kiddo (Uma Thurman) es el mejor ejemplo de una mujer que protagoniza su historia de venganza justificada por una violación en su historia de trasfondo en Kill Bill. Sí, Beatrix también es uno de los personajes femeninos fuertes más famosos en la actualidad, pero si nos pusiéramos a tratar de entender sus motivaciones detrás de su venganza, todo termina regresando a la violación. Su venganza parte de un acto de violencia que un hombre inflingió en ella y su personalidad depende enteramente de las repercusiones de dicho evento.

Mildred Hayes comparte muchas características con Beatrix, la única diferencia es la persona que fue violada en la historia de trasfondo. Mildred es una madre que busca venganza después de que su hija fue violada y brutalmente asesinada. Su representación es una combinación de los dos tipos de historia de trasfondo por violación más usados: es la base de su venganza — y por lo tanto la narrativa principal de la película— y la justificación de su personalidad fría — que gracias a diversos flashbacks sabemos que siempre fue parte de su caracterización pero nunca tan latentemente como en la actualidad presentada en el filme—.

Que la frialdad y el desapego presentes en la caracterización de una mujer sean casi siempre considerados como resultado directo de una violación, es una simplificación muy pobre — y francamente, poco responsable — de una problemática que es tan complicada y que es atravesada por diversas aristas. Que dicha violación sea considerada como propia de las mujeres, es imperdonable.

Resulta peor cuando personajes como Verónica Mars (Kristen Bell), Gabrielle Solis, Sookie (Anna Paquin) de True Blood, o Justine (Jessica Barden) de Penny Dreadful, confiesan haber sido violadas o abusadas sexualmente, con el simple afán de generar drama en la narrativa para crear consecuencias suficientes que puedan llevar una historia por 2 o 3 capítulos de una temporada. Como si de un evento aislado se tratara.

En contraste, existe una larga lista de personajes masculinos fríos y distantes, tales como James Bond, Han Solo, Indiana Jones e incluso Bruce Wayne, que sus creadores se han encargado de darles una historia de trasfondo rica y llena de matices capaces de justificar y mantener las razones por las que actúan así, y ninguno de ellas incluye una violación o algún tipo de abuso sexual.

Hablar y representar temas relevantes como la violación en productos de consumo actual no es el problema, el trato y la forma en la que ésta es representada sí lo es. Por ello, antes de considerar incluir a la violación como un elemento divertido que podría crear drama en una historia, es importante detenerse y pensar lo que se está tratando de decir con ello. Es hora de comenzar a darle el cuidado y respeto que merecen estas historias tan delicadas que necesitan ser contadas.

Jordan Peele y la subversión de los personajes femeninos en el slasher

Advertencia: en esta entrada se tratan spoilers importantes referentes a los giros finales tanto de Get Out! como de Us. Si no las has visto, te recomiendo que no lo leas.

A lo largo de la historia, el cine de terror, sobre todo el del género slasher, se ha encargado de enmarcar a las mujeres que habitan sus historias en dos categorías básicas: las Scream Queens (o reinas del grito en español) y las Final Girls (o chica final en español).

Como lo he mencionado anteriormente, el cine tiene una gran tendencia de optar por retratar a las mujeres como seres vulnerables y abnegados, cuya única función radica en el cuidado y protección de los seres queridos y su consecuente victimización. Estas representaciones — sobre todo presentes en las Scream Queens — provienen, en cierta medida, de esa misma idea; aquella donde se considera a los personajes femeninos como receptáculos ideales de violencia debido a su (muy dañino) estereotipo de indefensión.

La diferencia entre una representación y la otra, es que la segunda tiene más probabilidad de tomar el papel de protagonista y sobrevivir para el final de la película, mientras que la primera suele recaer en papeles de víctima y usualmente usa mucho de su tiempo en escena para gritar despavorida al huir del asesino.

Es importante mencionar que ambas representaciones no se encuentran peleadas entre sí; de hecho es muy posible que existan personajes femeninos que compartan características importantes de cada una, como lo son Laurie Strode (Jamie Lee-Curtis) en la saga de Halloween o Sidney Prescott (Neve Campbell) en la saga de Scream.


Estos dos tipos de representación tienen una doble función en el cine slasher: primero, justificar la amenaza que significa el asesino en la narrativa, elevando el nivel de riesgo al brindarle al un cierto número de personas lo suficientemente propensas a ser víctimas de un asesinato — como se cree estereotípicamente que son las mujeres — , y segundo, funcionar como herramienta de inflección de miedo y desesperación en forma de una Final Girl/Scream Queen desprotegida y vulnerable.

Una de las características más importantes de estos personajes femeninos es que, si de sobrevivir se trata, estas mujeres logran llegar al final de la película no por su capacidad de enfrentar al asesino, sino más bien por su propensión a huir de él y de encontrarse en los lugares adecuados en el momento adecuado.

Es por ello, que ambas han sido usadas una y otra vez como destinatarias directas de todos los horrores y violencias detrás de la mente masculina de sus directores. En esencia, la necesidad de los asesinos de tener una víctima es igual a la de los directores de estos filmes por mostrar hasta donde son capaces de llegar al poner en peligro y, consecuentemente, matar a sus mujeres.

Con el paso del tiempo, — sobre todo en sagas que han sobrevivido gracias a sus numerosas secuelas — los directores han decidido transformar a sus eternas Scream Queens/Final Girls en mujeres con más agencia, al remover la victimización alrededor de ellas y reformular sus personajes para presentarlas como personajes valientes que son capaces de enfrentar a su asesino, en lugar de huir de él. Laurie Strode, nuevamente, es el mejor ejemplo de ello en la película de Halloween (2018).

Sin embargo, a pesar de todo ello y las (necesarias) modificaciones que se han hecho a personajes entrañables e icónicos de diferentes sagas, estas Scream Queens/Final Girls siempre han sido enmarcadas una y otra vez como personajes bondadosos incapaces de hacer algo violento fuera de defenderse y proteger a su familia. Por ello siempre han figurado como las víctimas perfectas de un asesino.

De hecho, existe una larga tradición de películas slasher que se han dedicado a castigar con la muerte a aquellas mujeres bondadosas y virginales — o, en su defecto, las que están a gusto con su sexualidad — que han tenido la audacia de salirse de la norma, al tomar decisiones que no reflejen la idea detrás de la mujer perfecta, como lo son tener sexo adolescente o ingerir drogas o estupefacientes . La mayoría de las víctimas de I Know What You Did Last Summer (1997), Scream (1996) y Friday The 13th (1980) (así como sus secuelas) son el mejor ejemplo de ello.

De hecho, es muy difícil encontrar en las slasher a una mujer que tenga dobles intenciones, un plan oculto o que incluso tome el papel de la asesina titular. Lo que hace este tipo de películas es reproducir la idea de que las mujeres no son capaces de sentir otra cosa que no sea bondad, ni de manifestar ningun otro tipo de característica que vaya más allá de la abnegación y los cuidados de los seres queridos.

Por ello, resulta tan refrescante ver la manera en que Jordan Peele ha logrado subvertir la caracterización de los personajes femeninos en el género del slasher con las protagonistas de su dos películas: Get Out! (2017) y Us (2019).

Con Adelaide Wilson (Lupita Nyong’o) en Us y Rose Armitage (Allison Williams) en Get Out, el director nos presenta a un par de mujeres que rompen con la idea de la Scream Queen/Final Girl al ser personajes femeninos con matices que, en lugar de formar parte del tradicional estereotipo de lo que debe ser una mujer, deciden jugar con él para poder ocultar detrás de ello sus verdaderas intenciones.

El director logra con estas mujeres lo que muchos otros autores del género ni siquiera se habían molestado en hacer antes, darles la suficiente agencia para ser igual o más intimidantes que sus contrapartes masculinas.

Sin embargo, lo más interesante de esta construcción, no solo es la capacidad de Jordan Peele para inyectar maldad y duplicidad en sus personajes femeninos, sino también el triunfo narrativo que significa que dicha caracterización sea parte fundamental de los giros finales de cada película.

En Get Out, Rose es enmarcada como el estereotipo perfecto de la Final Girl: una mujer con muchas opiniones que parece no tener miedo de nada, pero que a la mínima señal de peligro, correría a respaldarse detrás de su novio Chris (Daniel Kaluuya). Estereotipo que usa a su favor para llamar la atención de hombres de color y llevarlos a su casa, donde ella y su familia se dedican a lavarles el cerebro y venderlos a sus vecinos.

Rose Armitage no es ni una damisela en peligro, ni una víctima de las circunstancias como la película nos quiere hacer creer a lo largo de la historia, al contrario, es cómplice y perpetuadora de los numerosos actos de tortura y violencia que sus padres han cometido en contra de muchas personas de color.

En ese sentido, la representación estereotípica que el director plasma en Rose funciona exitosamente de dos formas dentro de la narrativa, primero, al presentar a una mujer que juega con las nociones y expectativas de género que la sociedad ha impuesto tanto en hombres y mujeres, para lograr sus fines y, segundo, al usar esas mismas ideas para engañar a la audiencia con el papel que dicho personaje se supone que tendría en la película.

El personaje de Adelaide también juega con las expectativas sociales, sin embargo, en ella recaen las que se enfocan en lo que debe de ser una madre de familia abnegada. Al ser una Tethered, necesita convencer a su familia que es una mujer tan común y corriente como todos los demás.

Al haber vivido en tuberías toda su vida, Adelaide aprende lo que significa ser una madre por medio de las experiencias ajenas. Por ello, sus acciones y reacciones durante toda la película son de protección y abnegación. En cierta medida, sus hijos son los que legitiman su existencia en la tierra y los mismos que justifican su ausencia en las tuberías.

La diferencia esencial que mantiene con Rose proviene de sus propósitos y, por supuesto, de su privilegio. Rose finge ser otra persona por diversión, mientras que Adelaide lo hace por supervivencia. Rose cuenta con el color de piel correcto y la posición social adecuada para poder presentarse de diferentes formas sin que desconfíen de ella, Adelaide necesita parecer «normal», aún a pesar de su color de piel, para no tener que regresar a las cañerías.

Con estos personajes, Peele no intenta argumentar que la duplicidad es algo a lo que se debería de aspirar, Rose termina muriendo al tratar de defender el honor de su familia, mientras Adelaide asesina a su clon en su afán de mantener la normalidad en su vida.

Ambas mujeres tienen las manos ensangrentadas, pero resulta reconfortante saber que las dos fueron capaces de decidir su destino con consciencia plena de que existía una posibilidad en la que podrían terminar siendo las víctimas de sus propios juegos, en lugar de morir en manos de un asesino sin motivos aparentes.