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Ghostbusters y la malinterpretación del sexismo

Debo ser honesto con ustedes, cuando me enteré que se haría un reboot de Ghostbusters  con un elenco integrado por puras mujeres (entre ellas Kristen Wiig y Kate McKinnon) me pareció una excelente idea y, aún a la fecha, me parece uno de los mayores aciertos de la película. Sin duda alguna, el maravilloso cast se lleva todas las palmas del filme.

Aún así, no estoy aquí para hablar de todo lo que me gustó de Ghostbusters y lo mucho que me reí (porque así fue) sino para hablar de un problema que he visto repetidas veces suceder en la industria audiovisual: la competencia entre géneros como solución al sexismo recalcitrante que se vive en Hollywood (y en la vida real) día con día.

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Si hay algo en lo que me gusta hacer especial hincapié cuando veo algo nuevo es precisamente en la representación de equidad de género y las formas en las que se habla de sus hombres y mujeres. Si bien es cierto, el mundo de las películas, más que la televisión, aún sigue muy atrasado cuando se trata de representar correctamente a los personajes femeninos, así como en mantener un equilibrio entre hombres y mujeres.

También es cierto que han habido muchos directores, y casas productoras, que han enfocado sus esfuerzos en crear propuestas modernas donde se trata de mejorar el discurso, creando representaciones correctas y equitativas tanto de personajes femeninos y masculinos en su cine, ahí tenemos a la maravillosa Mad Max: Fury Road como el mejor ejemplo.

Sin embargo, creo que también muchas personas detrás de muchos otros proyectos no han entendido bien lo que significa mantener una equidad de género en sus productos audiovisuales. No se trata de darle más protagonismo a sus personajes femeninos, ni tampoco hacer menos a sus personajes masculinos. No se trata de una competencia para decidir cuál género es mejor.

Se trata, más bien, de encontrar un equilibrio donde ambos géneros sean representados correctamente, sin estereotipos, ni simplificaciones. Como individuos con características particulares, con defectos y virtudes, como personas completas que toman decisiones y se responsabilizan de ellas. Algo que no está presente en Ghostbusters y que sin duda alguna le hace mucha falta.

Si hay algo con que el filme puede vanagloriarse es con la presencia de sus 4 personajes femeninos muy bien hechos y perfilados. Mientras el director nos presenta a cuatro mujeres talentosas que buscan lograr un bien común, que sienten, viven y piensan como cualquier otro ser humano, también tiene la audacia de mostrarnos a un puñado de hombres sin motivaciones, personalidad o caracterización alguna.

Todos los personajes masculinos en esta película o bien odian a las mujeres o no son lo suficientemente inteligentes para estar a su altura. Kevin, el alcalde y Rowan no son más que una caricatura y una representación muy simplista de lo que significa ser hombre en la sociedad actual.

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Lo que me lleva a preguntarme ¿En qué momento se decidió que con minimizar a un género para darle ventaja a otro se lograría mejorar, o incluso aportar algo al debate, en el tema del sexismo recalcitrante que vemos todos los días? No, esto no se trata de poner a un género por encima del otro a manera de venganza por todos los años de machismo,se trata de algo totalmente diferente. Se trata de buscar equidad de género.

El mismo problema puede ser visto en películas como Bad Moms, donde los hombres no son más que esposos desinteresados, o en series como Unbreakable Kimmy Schmidt (sobre todo en su primera temporada), en la que existe una variedad de personajes masculinos que son ridiculizados constantemente, o vídeos musicales de Jennifer Lopez y Britney Spears , donde los hombres son cosificados de principio a fin.

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No, el esposo poco cariñoso que engaña a su esposa no es la forma de solucionar ni combatir al personaje de la femme fatale . No, un hombre que no tiene otro motivo  más que lucir su cuerpo en un vídeo musical no es más ni mejor que la modelo semi-desnuda que matan al instante en una película.  No, los personajes de policía y recepcionistas ineptos tampoco tienen mucho que pedirle al personaje de rubia poco inteligente.

Me gusta creer que la intención detrás de estos discursos no es mala y que, a fin de cuentas, lo que buscan es tratar de darle el protagonismo que la industria les ha quitado a los personajes femeninos a lo largo del tiempo. Sin embargo, esa no debería ser la solución.

La idea más bien es contar historias que enfoquen sus esfuerzos no en minimizar al otro género, sino en celebrar la diferencia sin necesidad de hacer uso de la discriminación y las limitaciones simbólicas auto-impuestas. Ese es el verdadero objetivo.

 

El club de las comediantes de lo surreal.

Si hay algo que ha prevalecido con el paso del tiempo en el medio del entretenimiento es, sin lugar a dudas, la comedia surreal y absurda. Aquella que nos pone frente a situaciones ilógicas, y sin sentido, con el fin de hacernos reír a través de lo ridículo y la contraposición del análisis lógico de la realidad con lo irreal.

En una serie de televisión donde la comedia surreal tiene protagonismo narrativo, es natural encontrarse con una escena donde la abuela matriarca de una familia es una marioneta, u otra donde un perro es el compañero de un policía y conduce una patrulla, o una donde una actriz es reemplazada por un borrego en una escena sin razón aparente.

La magia detrás de este tipo de comedia sucede cuando los participantes involucrados en ella la entienden como tal y se dejen llevar por el momento. Una escena absurda sólo funciona cuando los actores se dejan llevar y de verdad creen que lo que está sucediendo frente a ellos es algo absolutamente normal y muy plausible. Algo que las comediantes protagonistas de series están más que encantadas por hacer.

Hoy en día existe un grupo de mujeres cómicas  que se encargan de representar  y reaccionar ante las situaciones más absurda e ilógicas de la televisión: Maria Bamford, Ellie Kemper, Rashida Jones, Natasha Leggero y Riki Lindhome. Este grupo de increíbles comediantes se han dedicado a romper todas las barreras del sentido común y las buenas costumbres con sus respectivas series: Lady Dynamite, Unbreakable Kimmy Schmidt, Angie Tribeca Another Period en Netflix, TBS y Comedy Central respectivamente.

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Realmente no es sorpresa que podamos disfrutar de dichas historias en tales plataformas, después de todo, la comedia absurda necesita de un hogar donde los límites se desdibujen y las narrativas se modifiquen según las necesidades del programa. Mientras que Netflix, por si mismo, trabaja fuera de cualquier norma o regla de televisión típica, TBS y Comedy Central son canales de televisión por cable, ese maravilloso lugar en la televisión donde la censura y rectitud no tienen cabida.

Una de las características más relevantes dentro del mundo de lo irreal es la capacidad de crítica profunda que un discurso de comedia con tintes absurdos puede proponer. Mientras que lo surreal se encarga de abordar todo aquello que el sentido común y la lógica no alcanzan a limitar, lo cómico lo representa de forma empática.

De esa forma, en el mundo de Lady Dynamite Unbreakable Kimmy Schmidt el trauma, la depresión y las enfermedades mentales son los detonadores perfectos para retratar el día a día de las personas afectadas, las víctimas que normalmente no tienen voz. Por ello, y con grandes dosis de comedia surreal, es que estas series presentan personajes rotos con pasados oscuros: Maria es bipolar y Kimmy es sobreviviente de un secuestro.

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Las actrices  que le dan vida a dichos personajes representan sus papeles con tanta seguridad, y sin tapujos, que, no sólo logran crear conciencia alrededor del tema, sino que también eliminan el tabú que permea y segrega a dichas situaciones diariamente, en nuestra  realidad, gracias a un discurso positivo y muy cómico.

Así, podemos tener un capítulo donde las personas tóxicas de la vida de Maria, en Lady Dynamite, se fusionan para convertirse en un cuyo y meterse en su cabeza o una escena donde Kimmy habla de su lugar seguro, en Unbreakable Kimmy Schmidt, donde vive una vida de princesa con animales que cantan.

En Another Period, los escritores aprovechan el formato de reality show para retratar, y criticar, las narrativas que la aristocracia de principios del siglo 20 manejaba y que, aún hoy en día, es posible encontrar en las esferas sociales de clase alta. La familia Bellacourt, dirigida por las hermanas Beatrice y Lilian, vive sus días rodeada de drogas, sexo desenfrenado y altas dosis de sexismo, elementos que atraviesan todas las historias de forma crítica y divertida, sin perder la seriedad detrás del tema.

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Lilian y Beatrice viven su día a día rodeadas de riqueza y disfrutando cenas con personajes históricos tan emblemáticos como Mahatma Gandhi, Mark Twain o Hellen Keller que gozan, por si mismos, de sus propias características absurdas y poco comunes.

Mientras que la comedia surreal funciona la mayor de las veces como catálisis crítico, también a veces existe dentro de una narrativa con el único propósito de hacer reír, de buscar una risa simple y crear historias incoherentes para el alma del televidente que busca algo más allá de las típicas historias con moraleja.

Algo que sucede con Angie Tribeca, una serie que gira alrededor de su protagonista, Angie Tribeca: una policía que se enfrenta con casos y situaciones tan irreverentes como poco plausibles y que sólo con una buena dosis de comedia absurda y un buen sentido del humor es posible disfrutar. Así, es posible ver a Angie practicando su tino disparándole a zombies para después encontrarse en la siguiente escena con su compañero perro que busca a un sospechoso en la computadora.

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Estas comediantes de lo surreal nos proponen enfrentarnos a situaciones ilógicas, y sin sentido, que nos harán reír gracias al aprovechamiento de lo ridículo y la contraposición del análisis lógico de la realidad. Por ello, para poder disfrutar de sus series, necesitamos modificar nuestros paradigmas y entender de dónde viene el discurso y qué es lo que intentan comunicar con ello.

 

 

 

The color narrative in audiovisual stories.

It’s very well known that our brain has a wonderful way of working when it comes to color. It could react to a certain, and specific, situation depending on the one that surrounds the person at issue the same way it could understand a feeling with an  auxiliary color. Color is important to our lives. Color is everywhere.

Color is a wonderful narrative device that can carry a whole scene with emotional depth and no dialogue whatsoever. The beauty of it lies in its habilty to communicate directly with our feelings whereas our brains can fully understand the message separately.

So, it’s not suprise that color and audiovisual stories (TV and Cinema) have had, from the very beginning, an intrinsical link.  With color you can transform a bubbly and happy scene into something dark and sinister, you can also communicate to the audience the frame of mind of a certain character by the color he or she is wearing in their clothes, and you can even distinguish periods of time, on a movie or TV show, with color and shades.

You could say a lot of things just by using one color. Blue can be related to sadness and melancholy the same way it could be linked with life. Yellow, on the other hand, can be attached with happiness and magic, but also with anger.

You just have to take a look into the current TV shows on air to find color narratives all over the place. Whereas Netflix’s Jessica Jones tries to mimic the film noir atmosphere we all love with dark surroundings and grey areas in its sceneries, Unbreakable Kimmy Schmidt paints its frames with bright and happy colors to imitate the kind of psychotropic world where all its characters live in.

In Richard LaGravanese’s nonlinear narrative film, The Last Five Years,  we understand that a time jump happens -in the past and in the future-  by painting all over the sad scenes with intense dark gloomy colors, and with colorful bright shades on the happy ones.

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The same thing happens in Alejandro González Iñarritu’s Birdman, when the narrative is trying to tell apart the dream sequences, using yellow tones,  from the reality, with blue hues, only to mix them up by the very end when the character, and the movie, can’t tell the difference between Birdman and Riggan Thomson.

Notwithstanding, in Judd Apatow’s anti-rom-com-ish Netflix show, Love,  we see, in the first episode, our protagonist Gus buying  online a blue rug before breaking up with her girlfriend, only to discover the next day an orange one standing on his door. Right after this, Mickey bumps into his life using an orange blouse, and, from that very moment, we see both of them wearing clothes with all the possible variations of this colors all over the season, like a colorful dance of feelings.

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Something similar happens with Robin Wright’s character in House Of Cards, Claire. Whilst her wardrobe in the show consists in a wonderful variety of beautiful and elegant dresses, its colors oscillate between white and black depending on how dark or empathic she acts along each episode. So is natural to see her wearing a sober black dress while scheming a new plan with her husband to win over the white house in one scene, and using a white and delicate gown in bed with her lover in another.

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There’s even an interesting internet theory that develops on the ambivalency between the constant presence of  purple and yellow in How I Met Your Mother that suits very well within their narrative logic.

Color is, then, more than just a tool that could turn animated images into life.  Color, as it happens with feelings an sensations, is constantly attached to our perspective and our usual way of understanding life. We translate experiences that we paint with our minds.

Color is extremely important within any audiovisual story narrative. Whether a movie or a TV show is trying to communicate the very central core of its message using a beautiful color palette or accompanying a character quest between realms with only one shade, color will always be the perfect way to do so.

 

 

El concepto del amor ha cambiado en las series: Kimmy y Rebecca version.

¿Qué es el amor? Evidentemente es la pregunta que maneja nuestra vida, nos ronda continuamente y se encarga de muchas de nuestras decisiones. La televisión y el cine no son ajenos a desarrollar historias y centrar narrativas en todo lo que el amor representa (incluso me atrevería a decir que un 90% de ellas surgen y terminan en eso). Lo cual nos brinda una infinidad y enorme variedad de respuestas a esta pregunta, en la riqueza de la subjetividad y las diferentes voces que dichas perspectivas conforman.

No hace mucho, dediqué una entrada a tratar de entender las concepciones actuales del amor en la televisión. Gracias al desarrollo de personajes menos perfectos y más reales, con defectos y problemas, obtenemos relaciones difíciles y compromisos irreales con las personas que los rodean. Nuevas ideas del amor.

Ideas que son la tesis central de las series creadas, escritas y producidas por Rachel Bloom y Tina Fey: ‘Crazy Ex-Girlfriend’ y ‘Unbreakable Kimmy Schmidt’. En ellas vemos a personajes ordinarios, con historias similares por contar: Kimmy se re-descubre después de vivir 15 años encerrada en un bunker, mientras que Rebecca intenta hacer lo mismo después de vivir una fantasía de lo que  ella creía que su vida debía ser. Ambas están buscándose así mismas, mientras enfrentan contextos nuevos y totalmente ajenos a ellas.

Ninguna de las dos tiene una idea de lo que significa el amor en sus vidas y siguen viviendo con una mentalidad un tanto infantil e inocente de lo que es la vida. Kimmy no tiene referente alguno aparte de lo que veía en la televisión antes de ser secuestrada, Rebecca, por otro lado, sigue enamorada -y atorada- con la relación de fantasía que vivió con su ex-novio en la preparatoria.  Las dos perpetúan lo que aprendieron en su contexto más cercano, lo que ellas creen que es correcto y necesario en su vida.

Ambas aún idealizan el tipo de amor que vivieron al crecer: el del cuento de hadas donde existe un príncipe que llegará a sus vidas para complementarse y vivir felices hasta el fin de los tiempos. Por eso Rebecca decide mudarse a la ciudad donde Josh vive, para tratar de recuperar esa sensación de felicidad que tenía cuando estaba con él, mientras que Kimmy se aferra a Dong y la chispa que alguna vez sintieron, aunque la situación en la que ambos se encuentran diga todo lo contrario.

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Para Kimmy y Rebecca la felicidad se encuentra, en gran medida, en el amor de pareja, en la alegría que atrae a tu vida el hecho de estar con otra persona, de complementarse el uno al otro. Por ello dedican gran parte de sus esfuerzos a ser felices con sus contrapartes masculinas, a que ellos entiendan las razones detrás de sus actos (por más egoístas y maníacos que suenen).

Sin embargo, a lo largo de la primera temporada de ‘Crazy Ex-Girlfriend’ y las dos temporadas de ‘Unbreakable Kimmy Schmidt’ (La segunda acaba de estrenarse en Netflix) vemos cómo estas ideas preconcebidas cambian. Rebecca y Kimmy -después de varios golpes de realidad- confrontan sus problemas y dan la cara a su ansiedad, a los problemas que llevan arrastrando, a sus pasados y a sus nuevos presentes. Josh y Dong dejan de ser aquellos fines para alcanzar su felicidad y pasan a ser parte de ella.

El amor de pareja cambia  de ser un último fin a la parte esencial de una felicidad que no es inamovible ni estática, sino que se modifica constantemente. El concepto del amor crece y da entrada a otras formas de entenderlo: al propio, al de familia y al de los amigos. Nuestras protagonistas entienden que el amor llega de diferentes formas y en variadas presentaciones.

Para Rebecca llega en forma de su amistad con Paula, aquella persona tan importante en su vida como ella misma, su amor por la interpretación de musicales y su estabilidad emocional. Para Kimmy aparece en forma de Jacqueline, Titus y Lilian: su nueva familia, la que estará ahí para lo que necesite, su amor por ella misma que representa dejando atrás su pasado y su paz mental.

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Como menciono en el post anterior, el concepto del amor evoluciona mientras los personajes comiencen a perfilarse a ser más reales, con defectos, dispuestos a confrontar sus miedos y estando abiertos a encontrar la felicidad en lugares donde menos lo imaginarían.

Sí, el concepto de amor en las series ha cambiado, pero eso sólo significa que ha evolucionado para aterrizar en un nivel mucho más real. Un lugar donde los príncipes y princesas pueden quedarse dentro de sus fábulas para dar paso a personas de carne y hueso con sueños, metas, miedos y defectos.

 

Las mejores 15 series nuevas del 2015.

Llega el fin de otro año y, con él, la recapitulación de lo mejor (en mi opinión) que hemos tenido el gusto de disfrutar en cine y televisión. Sin lugar a dudas, y según mi conteo de este año, Netflix arrasó con la terna de historias únicas y dignas de contar. Si por mi fuera yo estaría encantado de ver series hechas por esta casa productora todo el tiempo.

Este año, la televisión se encargó de darnos historias profundas con calidad cinematográfica que centraron su perspectiva en los personajes y su desarrollo dentro de los contextos de cada narrativa. Así, nos topamos con superheroínas, hermanos vengativos, personas unidas por un link psíquico, mujeres azoradas por cultos apocalípticos, hombres solteros viviendo en su propio mundo de fantasía y familias en caos.

Lo he dicho antes y lo reitero, creo que estamos viviendo en la época dorada de la televisión. A continuación mi conteo de las mejores nuevas series de este año.

15) Quantico (ABC)

QUANTICO - "Quantico" stars Priyanka Chopra as Alex, Dougray Scott as Liam, Jake McLaughlin as Ryan, Aunjanue Ellis as Miranda, Yasmine Al Massri as Nimah, Johanna Braddy as Shelby, Tate Ellington as Simon Asher and Graham Rogers as Caleb Haas. (ABC/Craig Sjodin) DOUGRAY SCOTT, AUNJANUE ELLIS, PRIYANKA CHOPRA, JAKE MCLAUGHLIN, JOHANNA BRADDY, GRAHAM ROGERS, YASMINE AL MASSRI, TATE ELLINGTON

Hace poco escribía que lo que hacía de esta serie tan interesante era su combinación entre ‘Grey’s Anatomy’ y ’24’. Ahora que ya llegamos al mid season finale, lo vuelvo a reiterar. Para todos los que son amantes de los dramas telenovelezcos y los finales de tuerca (in)esperados esta es su serie. Es interesante, pero un poco sobrecargada de elementos.

14) Supergirl (CBS)

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No es coincidencia que el carisma de Melissa Benoist en conjunto con un gran casting e historias pertinentes hagan de esta serie una de las grandes revelaciones del año. Es una propuesta llena de corazón, acción y feminismo (un poco forzado). Kara Danvers llegó para quedarse.

13) Grace And Frankie (Netflix)

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Quién diga que Lily Tomlin y Jane Fonda ya no están en edad para actuar se habrán quedado con la boca cerrada cuando esta joya de Netflix llegó a nosotros en el verano. Nada es más refrescante que ver a este par de estrellas lucir sus dotes de comedia en una serie que se centra en la vida amorosa de dos mujeres separadas. Es deliciosa y se encarga de ilustrar a la tercera edad de manera respetuosa y muy adecuada.

12) Between (Netflix)

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De las pocas series que dicha casa productora decidió estrenar un capítulo por semana en lugar de la temporada completa. Una decisión que, debido al formato y la narrativa de la historia, fue más que acertada. Jennette McCurdy (iCarly) brilla como Wiley, una adolescente que tiene que enfrentar un inminente apocalipsis en su pequeño pueblo cuando todas las personas mayores a 25 años comienzan a morir repentinamente. Muy recomendada para los amantes de las historias apocalípticas y de epidemias.

11) Ash Vs Evil Dead (Starz)

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Ash regresa a combatir al Evil Dead que tanto lo hizo famoso en las B-Movies de los 80s, sólo que esta vez no está solo. Si eres fan de la saga de Evil Dead y la mezcla inteligente entre el horror/gore y la comedia, entonces esta serie es para ti. La presencia de la maravillosa Lucy Lawless es un plus.

10) Master Of None (Netflix)

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He de ser muy sincero, no soy fan de Aziz Ansari. Su comedia me parece muy simple y no he visto ninguna actuación (contando la de esta serie) que no salga de hacer una representación fiel de si mismo. Sin embargo, aún sabiendo eso, no puedo negar que esta es una serie hecha con el corazón. Muy pocas producciones de este año se atrevieron a hablar tanto de los problemas de género y raza a los que nos enfrentamos en la actualidad como lo hicieron Ansari y compañía. La historia de amor que se desarrolla en la temporada es simplemente deliciosa también.

9) Humans (Channel 4)

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Como fan recalcitrante de la ciencia ficción, comencé a ver esta serie con muchas dudas -siento que la representación de inteligencia artificial no ha logrado salir bien parada en televisión-. Sin embargo, y para mi gusto, me encontré con una propuesta, sí, un tanto reciclada, pero bien contada. La rebelión de las máquinas ha sido un temor recalcitrante en las sociedades modernas -y sus correspondientes representaciones en el cine lo avalan-, y esta serie no se escapa al tratar de reflejar esta idea también. Lo que la hace única es la perspectiva de ambivalencia que le otorga a todos los personajes, creando historias profundas y alejándose de la ya tan conocida dicotomía de humano/maquina.

8) Togetherness (HBO)

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Si hay algo que le debo reconocer a HBO es la calidad y tiempo que dedican sus series a retratar personas reales, con defectos, virtudes y voz propia. Alguna vez leí que esta historia es el equivalente de ‘Girls’ que se sitúa en Los Angeles y donde la historia recae en una familia disfuncional y no en un grupo de mujeres veinteañeras. Es la oda a los first world problems que todos amamos vernos identificados.

7) Unbreakable Kimmy Schmidt (Netlfix)

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Desde que Ellie Kemper hizo su participación en ‘The Office’ terminé enamorado de esta divertida chica pelirroja que se distinguía por tener siempre una sonrisa en la cara. Como Kimmy Schmidt no se queda atrás. Con este personaje nos logra transmitir a gran escala, y con un gran sentido del humor, lo que significa ser mujer en el siglo 21 -aunque debo admitir con el dolor de mi alma que muchos argumentos rozan en el hembrismo-. Enormemente disfrutable, con un cast perfecto y la participación de numerosas estrellas con papeles inolvidables.

6) Bloodline (Netflix)

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Muy pocas veces me he topado con dramas construidos de tal manera en que no pueden quedar cabos sueltos y todo lo que sucede dentro de la historia tiene sentido absoluto (Breaking Bad, anyone?) como con ‘Bloodline’. Resulta desgarrador ver las dinámicas perjudiciales que una familia es capaz de perpetuar con tal de mantener el orden y la paz. Brutal.

5) Man Seeking Woman (FXX)

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Otra de las grandes sorpresas del año. Una historia de amor contada a través de la mente de Josh (Jay Baruchel), un protagonista con imaginación vívida donde una cita con un trol, o un robot (en su defecto) son totalmente plausibles con tal de dar argumentos en favor -y en contra- de lo que significa tener citas en la actualidad. Fans del humor negro y secuencias oníricas, este es su momento.

4) Jessica Jones (Netflix)

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De todas las series dentro de este conteo creo que con ésta fue con la que me quedé más tiempo pensando. Me parece sencillamente increíble la dedicación que Melissa Rosenberg (ex alumna de Breaking Bad) perfiló una historia donde se tratara con tanta madurez el tema del consentimiento, la política sobre los cuerpos y el empoderamiento femenino. Todo en los ojos de una investigadora privada que resulta tener superpoderes.

3) Crazy ex-Girlfriend (The CW)

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Una serie musical que trata los devenires de una mujer (con graves problemas de ansiedad) que no es capaz de dejar atrás a su ex-novio con tal de buscar un punto intermedio en el caos que significa su vida. Definitivamente Rachel Bloom se lleva todas mis palmas por plasmar una historia tan única donde la música y el humor negro se mezclan naturalmente.

2) Another Period (Comedy Central)

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Un programa situado en la aristocracia estadounidense de 1905 narrado como si fuera un reality show y protagonizado, creado y escrito por dos de las comediantes más originales de la actualidad: Natasha Leggero y Riki Lindhome, ¿mencioné que Christina Hendricks hace el papel de una mucama que quiere convertirse en la dueña de la mansión?

1) Sense8 (Netflix)

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La serie que me dejó pasmado por semanas, que me hizo pasar por todo el abanico de emociones en 13 capítulos, que me emocionó por meses y que me llevó a analizar todo lo sucedido a lo largo de la historia repetidas veces. Sense8 sin duda se llevó el primer lugar de este año no sólo por su increíble narrativa -y maravillosa edición- sino por la dedicación y el corazón impresos tanto en sus personajes como en la historia. Un must para todos los amantes de la ciencia ficción.